-->
* Вход   * Регистрация * FAQ    * Поиск
Текущее время: 28 мар 2024, 22:14

Часовой пояс: UTC


cellspacing=/div
Музыка конец 19 начало 20 в. (жанры, исполнители, композии)
Модераторы: Citron-El, Матрена Филипповна, Malena
Начать новую тему Ответить на тему На страницу Пред.  1, 2
Автор Сообщение
СообщениеДобавлено: 25 янв 2015, 19:22 
Не в сети
Аватар пользователя

Зарегистрирован:
07 янв 2014, 17:08
Сообщений: 960
Джакомо Пуччини (1858-1924)

Изображение Изображение

Джа́комо Анто́нио Доме́нико Мике́ле Секо́ндо Мари́а Пуччи́ни (итал. Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini; 22 декабря 1858, Лукка — 29 ноября 1924, Брюссель) — итальянский оперный композитор, один из ярких представителей направления «веризм» в музыке. Некоторыми исследователями называется крупнейшим после Верди итальянским оперным композитором.

Пуччини - представитель династии композиторов, основоположником которой был его прапрадед Джакомо Пуччини-старший (1712-1781), занимавший ведущее положение в музыкальной жизни Лукки. Расширил рамки оперного веризма, в традициях которого начал творческую деятельность. Оперы «Манон Леско» (1892), «Богема» (1895), «Тоска» (1899), «Мадам Баттерфляй» («Чио-Чио-сан», 1903), «Девушка с Запада» (1910), «Турандот» (завершена Ф. Альфано, 1925) отмечены тонким лиризмом и психологизмом, реалистичностью ситуаций и характеров.

Биография
Джакомо Пуччини родился 22 декабря 1858 года в городе Лукка провинции Тоскана на севере Италии. Пуччини - потомственный интеллигент, сын и внук музыкантов. Ещё прадед Джакомо, живший в той же Лукке в середине XVIII века, был известным церковным композитором и дирижёром кафедрального хора. С тех пор все Пуччини - подобно Бахам - из поколения в поколение передавали по наследству профессию композитора и звание "музыканта республики Лукка". Отец - Микеле Пуччини, поставивший две свои оперы и основавший музыкальную школу в Лукке, пользовался большим уважением в городе. Но когда этот одаренный музыкант внезапно скончался, его 33-летняя вдова Альбина осталась без всяких средств с шестью маленькими детьми.

По семейной традиции и по желанию отца именно он - старший мальчик в семье - должен был получить серьёзное композиторское образование. Для бедной вдовы, не имевшей никаких доходов, кроме грошовой пенсии, это была почти неосуществимая идея. Но Альбина Пуччини-Маджи, обладавшая удивительной энергией и жизненной хваткой, сделала всё возможное, чтобы выполнить волю покойного мужа.

В маленькой Лукке путь к музыкальному образованию был особенно сложен. Юный Джакомо пел партию контральто в церковном хоре и с десятилетнего возраста зарабатывал игрой на органе в церкви ордена бенедиктинцев. Искусство талантливого органиста привлекло внимание прихожан, и его стали приглашать для выступлений в другие церкви Лукки и даже другие города. Джакомо посчастливилось попасть к умному и заботливому педагогу - органисту Карло Анджелони. В стенах луккского Музыкального института имени Паччини юноша познакомился с основами гармонии и инструментовки. Здесь же он сочинил свои первые произведения, главным образом хоры религиозного содержания. В 1876 году произошло событие, которое определило судьбу Пуччини: он увидел постановку "Аиды", опера произвела на него грандиозное впечатление, и в тот вечер Джакомо твердо решил стать композитором и сочинять оперы. Однако в годы учения в Лукке юный Джакомо не имел ещё возможности пробовать свои силы в области оперы.

В 22-летнем возрасте Джакомо покинул родную Лукку, получив диплом об окончании Института имени Паччини. При содействии местного мецената мать выхлопотала ему королевскую стипендию для поступления в Миланскую консерваторию. Небольшую помесячную субсидию предоставили также луккские родственники. Джакомо был принят в самую прославленную консерваторию Италии, без труда сдав вступительный экзамен. Здесь он обучался с 1880 по 1883 год под руководствам таких крупных мастеров, как композитор Амилькаре Понкьелли и скрипач-теоретик Антонио Баццини. Среди сотоварищей Джакомо по Миланской консерватории был сын ливорнского булочника Пьетро Масканьи, которому вскоре суждено было стать родоначальником веристской оперы. Масканьи и Пуччини стали близкими друзьями и вместе делили тяготы студенческой жизни.

Жизнь юного Пуччини в Милане была сопряжена с постоянными материальными затруднениями. Десятилетие спустя, работая над "Богемой", Пуччини с улыбкой вспоминал озорные и нищенские дни своей студенческой юности.

Чуткий Понкьелли верно распознал характер дарования своего ученика. Ещё в годы учения он не раз говорил Джакомо, что симфоническая музыка - не его стезя и что следует работать прежде всего в оперном жанре, столь традиционном для итальянских композиторов. Пуччини и сам непрестанно мечтал о создании оперы, но для этого нужно было добыть либретто, а оно стоило больших денег. На помощь пришел Понкьелли, привлекший молодого поэта-либреттиста Фердинандо Фонтана, который не успел ещё завоевать известность и потому не претендовал на высокие гонорары. Таким образом, в 1883 году, в год окончания консерватории, Пуччини получил возможность приступить к созданию своей первой оперы "Виллисы". Впоследствии он с улыбкой вспоминал об этом в письме к Джузеппе Адами:

"Много лет назад Господь коснулся меня своим мизинцем и сказал: "Пиши для театра, только для театра". И я следовал этому высшему совету".

1883 год был рубежным в жизни Пуччини. В этот год он успешно закончил Миланскую консерваторию и впервые выступил в качестве автора оперы. "Виллисы" 31 мая 1884 года были представлены на сцене миланского театра "Даль Верме". Этот оперный дебют 25-летнего Пуччини был очень успешным. В его телеграмме, адресованной матери в Лукку, сообщалось: "Театр полон, невиданный успех... Вызывали 18 раз, финал первой картины трижды бисировали". Но, пожалуй, наиболее важным результатом первой оперной работы Пуччини было установление прочной связи с крупнейшим издателем Джулио Рикорди - человеком, обладавшим предпринимательским размахом и художественным чутьем. Можно утверждать, что именно Рикорди одним из первых сумел "открыть" талант Пуччини, распознав своеобразие его музыкально-драматургических склонностей сквозь незрелые формы "Виллисов".

Пять лет, прошедшие между премьерами "Виллисов" и "Эдгара" - второй оперы Пуччини, были едва ли не самым тяжкими в жизни композитора. Он испытывал острые денежные затруднения, столкнувшись с безжалостными кредиторами. Он готов был вслед за братом эмигрировать из Италии, если только вторая его опера провалится. Тяжёлым ударом для юноши была смерть матери, много сделавшей для его музыкального развития, но так и не дожившей до первых триумфов любимого сына.

Несмотря на неудовлетворённость литературными вкусами Фонтана, Пуччини вынужден был вторично связать свою судьбу с этим ограниченным и старомодным либреттистом. После четырёхлетней упорной работы над новой оперой Пуччини наконец дождался постановки её на сцене миланского театра "Ла Скала".

Премьера 21 апреля 1889 года прошла без особого успеха. Критика резко осуждала несообразности либретто, его напыщенность и сюжетную запутанность. Даже Рикорди, всегда горячо защищавший работы своего подопечного, вынужден был согласиться с этими упреками.

Но Джакомо не сдается. Внимание композитора привлекает драматичнейший сюжет "Флории Тоски" - пьесы популярного французского драматурга Викторьена Сарду. Побывав вскоре после премьеры "Эдгара" на спектакле "Тоски", он сразу увлекся этой темой. Но идею создания одноименной оперы пришлось отложить на целое десятилетие. Наконец, поиски темы для новой оперы увенчались успехом: сюжет французского романа "Манон Леско" аббата Прево всерьёз захватил творческое воображение композитора, послужив основой для его первого вполне зрелого сочинения.

К этому времени материальное положение Пуччини стало более устойчивым, годы нужды и лишений остались позади. Неудовлетворённый шумной атмосферой Милана, он осуществляет свою давнюю мечту - поселяется вдали от города, в тихом Торре дель Лаго - между Пизой и Вьяреджо. Это местечко становится любимым пристанищем композитора в течение последующих трёх десятилетий. Он живёт в деревенском доме на берегу озера Массачуколи, в окружении прекрасной природы. Здесь он имеет возможность всецело отдаваться творчеству, отвлекаясь лишь на излюбленные развлечения - охоту и рыбную ловлю.

Значительную роль в жизни Пуччини сыграла его женитьба на Эльвире Бонтури - женщине темпераментной и энергичной, сделавшей всё возможное, чтобы создать ему идеальные условия для творчества. Ради своего избранника Эльвира покинула нелюбимого мужа - миланского буржуа, отца двоих её детей. Лишь много лет спустя, после смерти законного мужа, она получила возможность оформить свой брак с Пуччини. Отношения их были неровными: порывы большой страсти сменялись размолвками и ссорами; но Эльвира всегда оставалась верной подругой и помощницей композитора, во многом способствуя его успехам.

Годы работы над "Манон" были счастливейшим периодом в жизни Пуччини. Это были годы его романтического увлечения Эльвирой, рождения их первенца - сына Антонио, годы радостного общения с близкой его сердцу тосканской природой.

Он сочинял оперу быстро, с необычайным увлечением, и завершил через полтора года (осенью 1892 года). Пуччини писал её то в Милане, то в Лукке, то в любимом Торре дель Лаго.

В "Манон" Пуччини проявил себя уже как зрелый драматург, выдвигающий вполне осознанные требования своим либреттистам. Трагическая история провинциальной девушки Манон Леско, ставшей содержанкой богатого банкира, типична для европейской оперы второй половины XIX века. Но Пуччини задумал свою "Манон". Ему хотелось сосредоточить всё внимание на переживаниях Манон и её возлюбленного. Музыкальная драматургия "Манон" в сравнении с двумя ранними операми Пуччини гибче, совершеннее. В этой опере окончательно сложился вполне самостоятельный мелодический стиль Пуччини, тесно связанный с традициями современной итальянской бытовой песни.

Сам Пуччини очень гордился "Манон Леско". Это была его "первая любовь" - единственная опера, легко завоевавшая успех. До конца жизни он считал "Манон" одним из любимых своих детищ, второй "сердечной привязанностью" после "Мадам Батерфляй".

Автор "Манон Леско" становится знаменитейшим музыкантом Италии. Его приглашают вести класс композиции в Миланской консерватории и возглавить лицей Бенедетто Марчелло в Венеции. Но он отклоняет оба предложения, предпочитая спокойную жизнь отшельника в тиши Торре дель Лаго. Новой удачной находкой для Пуччини были "Сцены из жизни богемы" - серия новелл французского писателя Анри Мюрже (1851). "Мне попался сюжет, в который я совершенно влюблен", - признавался композитор. Ещё в период первых спектаклей "Манон" Пуччини со свойственной ему страстной увлеченностью начал разрабатывать план будущей "Богемы".

Музыка "Богемы" была написана в течение восьми месяцев, причем некоторые эпизоды, например популярнейший Вальс Мюзетты, Пуччини писал на собственный текст, не дожидаясь очередных страниц либретто. К осени 1895 года "Богема" была закончена и 1 февраля 1896 года впервые представлена на сцене Королевского театра в Турине.

Критики не были благожелательны к новой опере Пуччини. К чести итальянской публики нужно сказать, что она быстро поняла достоинства новой оперы - вопреки злым нападкам рецензентов. Ещё до конца сезона "Богема" выдержала 24 спектакля с полными сборами - факт, необычный для новой оперы. Очень скоро её с успехом поставили крупнейшие театры мира, в том числе театры Лондона, Парижа, Буэнос-Айреса, Москвы, Берлина, Вены, Будапешта, Барселоны. Необычайную сенсацию "Богема" вызвала в Париже. Французская критика подняла её до небес. В Московской Частной опере (театр Солодовникова) "Богема" была показана в январе 1897 года - менее чем через год после итальянской премьеры.

Новаторство Пуччини, пожалуй, наиболее непосредственно и оригинально проявилось в "Богеме". Именно этим произведением композитор осуществил в итальянской опере коренной поворот от романтической неистовой патетики к скромному воплощению реальной повседневности.

Пока "Богема" пробивала себе путь на европейские сцены, Пуччини был уже всецело захвачен новой оперной идеей: пришло, наконец, время написать "Тоску", задуманную ещё в 1880-е годы. Едва успев закончить партитуру "Богемы" и сдать её в туринский театр, композитор вместе с женой помчался во Флоренцию, чтобы вновь увидеть драму Сарду со знаменитой Сарой Бернар в роли Флории Тоски.

Уже весной 1896 года - в перерывах между шумными премьерами "Богемы" - он занялся либретто новой оперы. Музыка "Тоски" сочинялась сравнительно легко - на основе предварительных эскизов и детально разработанного драматургического плана. Партитура писалась с июня 1898 по сентябрь 1899 года.

Премьера "Тоски" состоялась в Риме 14 января 1900 года в театре Костанци под управлением дирижёра Леапольдо Муиьоне, давнего друга композитора и участника "Клуба богемы". Восторженная публика двадцать два раза вызывала автора! Бурным успехом сопровождалась постановка "Тоски" в том же году в Лондоне.

Пуччини осуществил свою мечту, будучи уже умудренным опытом своих веристских исканий, он привнёс в эту новую партитуру богатство лейтмотивного развития, смелость гармонического мышления, гибкость и многообразие декламационных приёмов. Сочетание яркой театральности, сценического динамизма с красотой и страстностью лирического распева обеспечило "Тоске" долгую репертуарную жизнь.

В Лондоне Пуччини посетил Театр принца Йоркского, где шла пьеса "Гейша" американского драматурга Давида Беласко. Композитор нашел для себя новый сюжет. Трагическая история юной японской гейши сразу же пленила воображение Пуччини. Снова были привлечены Иллика и Джакоза, которые легко превратили мелодраму Беласко в двухактное либретто под названием "Мадам Баттерфляй" ("Госпожа Бабочка"). Пуччини был необычайно тронут горестной судьбой маленькой японки. Ни один созданный им ранее оперный образ не был столь близок и дорог ему.

Сочинение "Мадам Баттерфляй" затянулось на длительный срок - Пуччини приходилось часто ездить на репетиции и спектакли своих опер в различные города Италии или за границу. Вдобавок к прежним его увлечениям присоединилась ещё одна страсть: он приобрел автомобиль и стал заправским гонщиком. Опасное увлечение закончилось печально: в феврале 1903 года, в самый разгар работы над новой партитурой, композитор попал в аварию и сломал себе ногу.

В конце 1903 года партитура была готова, и 17 февраля 1904 года "Мадам Баттерфляй" увидела свет рампы миланского театра "Ла Скала". На этот раз премьера прошла без успеха. В зале раздавались свистки, а отклики прессы выражали полное разочарование. После авантюрно-заостренного сюжета "Тоски" новая опера показалась миланцам бездейственной, приглушенно лиричной. Главной причиной полупровала "Баттерфляй" считали растянутость обоих актов, непривычную для итальянской аудитории. Пуччини сделал новую редакцию. Обновленная опера, поставленная уже в мае 1904 года в театре Брешии, завоевала полное признание. Отныне "Мадам Баттерфляй" начала своё победное шествие по театрам Европы и Америки.

Триумфом "Мадам Баттерфляй" завершился наиболее интенсивный период творческой биографии Пуччини и начался период депрессии, длившийся почти полтора десятилетия. В эти годы он был менее продуктивен, а то, что выходило из-под его пера - "Девушка с Запада" (1910), "Ласточка" (1917), - уступало ранее созданным шедеврам. Все труднее давался стареющему мастеру выбор оперных сюжетов. Художественное чутье подсказывало ему, что необходимо искать новые, нехоженые пути, ибо опасность повторения ранее достигнутых стилистических находок была очень велика. Материальная обеспеченность позволяла знаменитому маэстро не спешить с созданием очередных опусов, а триумфальные зарубежные поездки и страстное увлечение спортом заполняли его время.

Последний этап в жизни Пуччини (1919-1924 годы) совпадает с периодом послевоенных перемен в истории Италии. Можно утверждать, что после "Ласточки" Пуччини решительно преодолевает затянувшийся кризис. Именно в эти поздние годы ему удается достичь новых непревзойдённых вершин - написать оперы "Джанни" и "Турандот", обогатить итальянскую оперную классику новыми яркими шедеврами. При этом композитор отнюдь не повторяет свои прежние достижения, а находит непроторенные пути; на смену глубоко человечному, но сентиментальному мелодраматизму "Богемы" и "Баттерфляй" приходят сочный юмор и сатира "Джанни Скикки", красочная фантастика и драматическая экспрессивность "Турандот". Это был весьма плодотворный последний взлет творческого гения Пуччини.

Работа Пуччини над его "лебединой песней" не была доведена до конца. В самый разгар сочинения "Турандот" обострилась его давняя болезнь горла, переросшая в рак. Хотя врачи скрывали от него этот страшный диагноз, он чувствовал приближение трагического исхода.

Осенью 1924 года опера в основном была завершена. Смертельно больной Пуччини лихорадочно работал над оркестровкой "Турандот". Лечение с помощью облучения радием сначала принесло некоторое облегчение. Но 29 ноября наступил роковой финал: улучшение оказалось временным - сердце не выдержало, и великого музыканта не стало.

отсюда

Интересные факты
1. Уникальный случай.

Однажды молодой знакомый композитора Пуччини, весьма посредственный музыкант, сказал:
- Ты уже стар, Джакомо. Пожалуй, я напишу траурный марш к твоим похоронам и, чтобы не опоздать, начну завтра же.
- Что ж, пиши,- вздохнул Пуччини.- Боюсь только, что это будет первый случай, когда похороны освистают.

2. Я памятник себе...

Джакомо Пуччини был большим оптимистом. Однажды он сломал ногу и попал в больницу. Через пару дней его навестили друзья. Поздоровавшись, Пуччини весело сказал:
- Я так счастлив друзья! Мне уже начали сооружать памятник!
- Не говори чепухи, что за глупые шутки?!
- Я вовсе не шучу,- ответил композитор и показал ногу в гипсе.

3. Желание славы.

Пуччини был большой острослов и никогда не лез за словом в карман.
Как-то раз один его близкий знакомый - весьма посредственный композитор - решил пошутить и сказал Пуччини:
- Джакомо, ведь ты уже стар. Напишу-ка я, пожалуй, траурный марш к твоим похоронам!
- Ну что ж, напиши, - согласился Пуччини. - Но ты же лентяй, работать не любишь, боюсь, ты не успеешь...
- А я, чтобы не опоздать, начну завтра же, - язвительно отозвался приятель.
- Желаю удачи, - кивнул Пуччини, - и, думаю, ты прославишься.
- Ты полагаешь?
- Не сомневаюсь, - отвечал маэстро. - Ведь это будет первый случай в истории, когда похороны освищут!

4. Маэстро работает...

Во время работы над оперой "Богема" сложился своеобразный кружок друзей Пуччини, именовавший себя "Клубом богемы". Композитор и его товарищи вечерами собирались в лесной хижине при свете керосиновых ламп, играли в карты или рассказывали комические истории. Здесь же стояло пианино, и нередко хозяин в присутствии своих партнеров принимался за увлекавшую его работу, спрашивая их советов по поводу той или иной музыкальной детали. Все было бы хорошо, но... наступил охотничий сезон и на рассвете композитор часто уходил на озеро с двустволкой за плечами, вместо того чтобы, садиться за рояль. Это вызывало немалое беспокойство у издателя будущей оперы и особенно у жены маэстро. Чтобы спастись от ее наскоков, композитор пускался на уловки: однажды был специально приглашен некий молодой пианист, который "для отвода глаз" должен был с утра играть мелодии из "Богемы", в то время как сам Пуччини пропадал на охоте...

5. Ваше слово - закон!

Однажды, узнав о приезде в город молодого, неизвестного и, разумеется, бедного композитора, доброжелательный и хлебосольный Пуччини отправился к нему в гостиницу и, не застав хозяина, оставил на двери надпись: "Уважаемый господин музыкант, прощу вас покорно завтра прийти ко мне обедать". Молодой человек не заставил себя ждать - знакомство состоялось, и обед прошел весьма приятно. Однако когда и на следующий день Пуччини увидел нового знакомого за своим обеденным столом, то несколько удивился... Неделю молодой человек - каждый день! - как на работу, являлся на обед к маэстро. Раздраженный этакой бесцеремонностью Пуччини наконец сказал ему:
- Ваши постоянные посещения, дорогой мой, чрезвычайно для меня приятны, но все-таки я несколько удивлен тем, что вы позволяете их себе без всяких приглашений с моей стороны.
- Ах, маэстро, я вам так благодарен! - воскликнул гость.
- Ничего не понимаю! Объясните, наконец, за что же?
- Каждый день, возвращаясь в гостиницу, я читаю на двери приглашение, начертанное вашей благородной рукой. Я не могу стереть его, потому что сохраняю как драгоценный автограф. И не могу также не появиться в вашем доме к обеду: ведь приглашение такого знаменитого и замечательного композитора - закон для бедного музыканта!..

6. Неточное название.

Как-то раз один молодой композитор спросил у Пуччини:
- Какого вы мнения о моей опере "Пустыня"?
- Опера весьма недурна, - с улыбкой я отозвался Пуччини, - но на вашем месте я дал бы ей название "Бульвар". На каждом шагу знакомые.

7. "Пусть дураки бесятся".

Прочитав очередную ругательную статью о себе, Пуччини обычно говорил:
- Пусть дураки бесятся. Аплодисменты на моих операх весят куда больше, чем ругань всех критиков!

8. Приглашение принято.

Как-то раз маэстро обедал у одной дамы, столь экономной, что ему довелось встать из-за стола совершенно голодным. Хозяйка любезно сказала Пуччини:
- Прошу вас как-нибудь еще прийти ко мне отобедать.
- С удовольствием, - ответил Пуччини, - хоть сейчас!

9. Приятный момент.

Однажды, сидя в театре, Пуччини сказал на ухо своему приятелю:
- Певец, исполняющий главную партию, плох невероятно. Такого ужасного пения я еще не слышал ни разу в жизни!
- Тогда, может быть, лучше отправиться домой? - предложил приятель.
- Что ты, ни в коем случае! Я знаю эту оперу - в третьем акте героиня должна убить его. Я хочу дождаться этого счастливого момента, - мстительно отозвался Пуччини.

10. Голос из подземелья.

На премьере в Ла Скала солисты пели вяло и маловыразительно. Особенно унылое впечатление производил тенор. Когда дело дошло до его арии, начинавшейся словами "Они бросили меня в сырую и холодную темницу", автор оперы наклонился к соседу и шепнул ему на ухо:
- Кажется, не только бросили, но и долго там продержали беднягу: он совсем потерял голос!..

11. Памятник самому себе.

Однажды Пуччини сломал ногу. Когда взволнованные друзья примчались навестить его в больнице, Пуччини жизнерадостно заявил:
- Не стоит так волноваться, дорогие мои! У меня все отлично, и к тому же я должен с гордостью сообщить вам, что строительство памятника мне уже начато.
- Ты очень несерьезен! -принялся отчитывать его один из приятелей. - Расскажи нам, что с тобой произошло, нельзя же все время только шутить...
- Я и не думал шутить, - с самой серьезной миной отвечал Пуччини, указывая на свою загипсованную ногу...

12. Как надо, так и зовут.

В опере Пуччини "Чио-Чио-сан" есть эпизод, в котором Шарплес, обращаясь к ребенку Баттерфляй, спрашивает: "Милый, как зовут тебя?"
Лет десять тому назад в одном из украинских театров немую роль ребенка Чио-Чио-сан исполнял сын костюмерши. И вот однажды шутники из театра пристали к мальчику:
- Послушай, милый, ты уже совсем большой, а поступаешь нехорошо. Раз к тебе дядя обращается с вопросом, ты должен ему ответить. Только нужно сказать это громко, отчетливо, во весь голос, чтобы тебя все услышали.
Юное создание блестяще справилось с новой ролью. Когда на очередном представлении Шарплес задал ему традиционный вопрос, мальчик, набрав побольше воздуха, звонко крикнул: "Алеша!" Успех был феноменальный!
отсюда




Теги: Начало 20 века, 1900-ые, Италия, композитор, классика, веризм, статья, плейлист


Вернуться наверх
 Профиль  
 
СообщениеДобавлено: 25 янв 2015, 20:21 
Не в сети
Аватар пользователя

Зарегистрирован:
07 янв 2014, 17:08
Сообщений: 960
Руджеро Леонкавалло (1857-1919)

Изображение Изображение

Руджеро Леонкавалло (итал. Ruggero Leoncavallo; 23 апреля 1857, Неаполь — 9 августа 1919, Монтекатини-Терме) — итальянский композитор.

Леонкавалло - Один из основоположников оперного веризма. Оперы «Паяцы» (1892), «Богема» (1897; в России под названием «Жизнь Латинского квартала»)


Биография
Руджеро Леонкавалло родился 25 апреля 1857 года в Неаполе. Закончил консерваторию в родном городе. Учился у Л. Росси (композиция) и Б. Чези (фортепиано). Не имея средств к существованию, вынужден был давать уроки музыки и даже работал тапером. Позже выступал и как дирижер.

Интересно, что либретто собственных опер, в отличие от многих других композиторов Леонкавалло, писал сам. Он говорил: «Я считаю невозможным сочинять музыку на чужие слова и просто не понимаю, как может быть создано истинно художественное таким образом». Для пополнения познаний в области литературы композитор два года слушал в Болонье университетский курс лекций. Он на самом деле был неплохим литератором и в 20 лет получил звание «доктора литературы», после чего некоторое время не мог решить, чем ему заниматься — литературой или музыкой. В юные годы Руджеро Леонкавалло приобрел известность как отличный пианист-аккомпаниатор. Сохранились даже записи великого итальянского певца Энрико Карузо, где ему на рояле подыгрывает сам Леонкавалло.

История создания оперы «Паяцы» такова. Миланский музыкальный издатель Сонзоньо объявил в 1890 году конкурс одноактных опер. Поначалу Леонкавалло написал трилогию «Сумерки» на один из сюжетов эпохи Ренессанса, но издатель забраковал оперу. Первая премия была присуждена опере «Сельская честь» Масканьи — произведению, в самом деле имевшему успех у публики. Леонкавалло, которого задело такое решение комиссии, решил написать что-то вроде «Сельской чести». Известен и еще один источник, вдохновивший автора на создание оперы «Паяцы»,— «Кармен» французского композитора Бизе.

Но опера «Паяцы» никакой премии у Сонзонье не получила, потому что в нарушение канонов состояла лишь из двух актов. Но зато ее приняли к постановке на сцене оперного театра Милана. Премьера состоялась 21 мая 1892 года и принесла композитору ошеломительный успех...

Опера «Паяцы» была написана за пять месяцев. Это очень малый для создания опер срок. Как сказано в либретто, «действие происходит в деревне Монтальо в Калабрии, Италия, 15 августа 1865 года». Эта ремарка появилась отнюдь не с потолка. Руджеро знал, что именно в этой деревне и в этот самый день некий бродячий актер убил собственную жену. Отец Леонкавалло, будучи председателем суда, расследовал это дело и судил виновного. История настолько впечатлила семилетнего тогда Руджеро, что спустя многие годы он вспомнил о ней, написал либретто и сочинил музыку.

У Леонкавалло паяц Канио убивает на сцене ножом свою прекрасную жену Недду, полюбившую одного из зрителей. Герои наделены выразительными музыкальными характеристиками. Так, арии Недды присущи задор и жизнелюбие, а вокальная партия Канио взволнованно лирична и насыщена горькой иронией.

По ходу действия Недда встречается с крестьянином Сильвио, в которого она влюблена. Сильвио уговаривает ее бежать, бросив мужа и театр. Паяц Канио случайно подслушивает сцену расставания Недды и Сильвио... Но работа есть работа, и Канио вынужден играть с Недцой в спектакле перед крестьянами. Любовная история, представленная на сцене, полностью отражает жизнь. В кульминации спектакля обезумевший от ревности Канио забывает о сцене и убивает жену, а также бросившегося к ней Сильвио. Вокальные партии предельно красивы и насыщены эмоционально, недаром слова «Смейся, паяц, над разбитой любовью!» стали крылатыми...

Опера «Паяцы» обессмертила Леонкавалло, стала настоящим шедевром. Повезло композитору и на первых исполнителей: ими стали всемирно известный дирижер Артуро Тосканини и певец Энрико Карузо (Канио). В 1906 году опера обошла многие театры Европы, США и Канады — за дирижерским пультом стоял сам композитор.

К сожалению, Руджеро Леонкавалло оказался типичным автором одного произведения: повторить триумф «паяцев» ему ни разу не удалось, и дальше гео сплошь преследовали неудачи.

Так, оперу «Богема», либретто которой было написано по роману «Сцены из жизни богемы» А. Мюрже, опередило одноименное сочинение Джакомо Пуччини. Относительную известность получила опера Леонкавалло «Заза» (1900), но и она уступала в силе выразительности «Паяцам», и, как следствие, вскоре была снята с репертуаров музыкальных театров.

В последние годы жизни Леонкавалло увлеченно создавал, как он сам объяснял, «новый национальный музыкальный жанр». Речь шла о музыкальной драме, опиравшейся на народный песенный материал. Масштабное произведение, задуманное композитором, должно было называться «Буря». Однако композитору не удалось завершить сочинение: он скончался 9 августа 1919 года в Монтекатини, близ Флоренции.

отсюда

Интересные факты
1. Спасибо, кабальеро!

На премьере оперы "Паяцы" присутствовал странный зритель: он вошел в зал в пропыленной одежде всадника, в высоких сапогах со шпорами... В антракте Леонкавалло подошел к неизвестному и, поклонившись, сказал ему вежливо:
- Сударь, от всей души благодарю вас!..
- За что? - удивился странный зритель.
- За то, - ответил композитор, - что вы не привели с собой на мою оперу еще и коня!

2. Пошутил!...

Приехав в Англию и будучи в Манчестере, Леонкавалло инкогнито пришел в театр на представление своей оперы "Паяцы". Когда занавес упал, один из зрителей, сидевший рядом с композитором, закричал:
- Браво! Какая музыка! Шедевр! Непревзойденно!
Леонкавалло решил пошутить и возразил:
- Разрешите, уважаемый, с вами не согласиться. Я и сам немного музыкант и должен вам сказать, что музыка этой оперы просто отвратительна и, честно говоря, никуда не годится...
- Но почему же, сударь? - с интересом спросил зритель.
Наслаждаясь своей неузнанностью и от души веселясь, Леонкавалло вдребезги разнес свое произведение:
- В ней все украдено: каватина - у Берлиоза, дуэт из первого акта - у Гуно, а финал - примитивное подражание великому Верди...
Каково же было потрясение шутника, когда, купив на следующее утро номер манчестерской газеты, он с удивлением прочитал: "Леонкавалло о своей опере "Паяцы". Присутствовавший на спектакле синьор Леонкавалло признал, что в "Паяцах" нет ничего оригинального и авторитетно заявил, что его опера - целиком и полностью плагиат".
Оказалось, что вчерашним соседом композитора был... театральный критик.

отсюда



Теги: Начало 20 века, 1900-ые, Италия, композитор, классика, веризм, статья, плейлист


Вернуться наверх
 Профиль  
 
СообщениеДобавлено: 26 янв 2015, 17:36 
Не в сети
Аватар пользователя

Зарегистрирован:
07 янв 2014, 17:08
Сообщений: 960
Пьетро Масканьи (1863-1945)

Изображение Изображение

Пье́тро Маска́ньи (итал. Pietro Mascagni; 7 декабря 1863 года в Ливорно — 2 августа 1945 года в Риме) — итальянский оперный композитор.

Масканьи - один из представителей оперного веризма. Характерные черты стиля (веризм) воплотились в первой опере «Сельская честь» («Деревенское рыцарство», 1890), прославившей его имя, написанной для конкурса, устроенного издателем Сондзоньо в Милане в 1890 году, и получившей первую премию. Опера эта быстро обошла все европейские сцены, составив композитору громкое имя. Успех ее объясняется благодарным сюжетом и внешними музыкальными эффектами.

Биография
Пьетро Масканьи (07.12.1863 - 02.08.1945) - итальянский композитор и дирижер. Тайно от отца, желавшего, чтобы сын был юристом, Масканьи занимался музыкой у А. Софредини. Шестнадцати лет он уже был автором ряда произведений, в том числе симфонии и оперы "Пинотта" (пост. на сцене в 1932 году после коренной переработки). Только после того, как его кантата получила в 1881 году премию на Международной музыкальной выставке в Милане, отец Масканьи позволил сыну заниматься музыкой, а затем и поступить в Миланскую консерваторию, где Масканьи занимался композицией у Понкьелли и М. Саладино. С 1885 года работал дирижером в различных итальянских оперных театрах.

В 1888 году получил 1-ю премию за оперу "Сельская честь" (пост. 1890, Рим) на конкурсе одноактных опер, организованном музыкальным издателем Сонцоньо. Правдивое изображение жизни сицилийских крестьян, эмоциональная музыкальная обрисовка людей из народа с их искренними чувствами и переживаниями, доходчивые, запоминающиеся мелодии (сицилиана Турриду, ария Сантуццы, песня Альфио и, наконец, знаменитое симфоническое интермеццо, разделяющее две части оперы) - все это создало опере небывалый успех как на итальянской сцене, так и за границей. Оперы "Сельская честь" Масканьи и "Паяцы" Леонкавалло положили начало оперному веризму, получившему широкое распространение в Италии и других западноевропейских странах.

После Верди и Понкьелли Масканьи наряду с Леонкавалло стал ведущим оперным композитором Италии конца 19 века. Лучшими операми Масканьи в этот период были "Друг Фриц" по новелле Эркман-Шатриана (пост. 1891) и "Ирис" из японской жизни (пост. 1898); последняя опера сохранилась в репертуаре итальянских театров. С появлением Пуччини оперы Масканьи были оттеснены на второй план. А его опера "Маски", премьера которой состоялась в 1901 году одновременно в шести разных городах Италии, потерпела всюду фиаско.

В 1895-1902 годах Масканьи состоял директором консерватории в Пезаро. Позже выступал лишь как дирижер собственных произведений. В 1929 году был избран членом Итальянской академии.
В истории итальянского музыкального театра Масканьи остается автором "Сельской чести" (все последующие оперы значительно уступали ей по своим достоинствам).

Масканьи умер 2 августа 1945 года в Риме, надолго пережив почти всех своих современников.

отсюда

Интересные факты
1. Правила светского тона.

Как-то Масканьи дирижировал в "Ла Скала" своей новой оперой. Это была премьера. И вдруг он заметил, как одна хорошо знакомая ему графиня покинула театр сразу после второго акта. Композитора это, естественно, задело и на следующий день он выразил графине свое неудовольствие.
- Ах, мой дорогой, пожалуйста, не сердитесь, - отозвалась графиня, - ведь я - светская женщина и должна придерживаться правил хорошего тона; я всегда покидаю театр после второго акта!
Через некоторое время эта светская дама пригласила Масканьи на любительский оперный спектакль, где она исполняла небольшую партию в последнем акте.
- Вам понравилось, как я спела? - поинтересовалась графиня у Масканьи после спектакля.
- Неплохо, сударыня, - с поклоном отвечал он, - однако мне кажется, что вы нарушили правила хорошего тона, ибо вам нужно было уйти из театра после второго акта...

2. "Учитель" и "ученик".

В те годы, когда Масканьи жил в Милане, в городе было множество бродячих шарманщиков. Как-то раз один из них остановился перед окном Масканьи; его шарманка играла не что-нибудь, а именно Масканьи... Но шарманщик слишком быстро крутил ручку своей шарманки, мелодия звучала в таком быстром темпе, что маэстро в конце концов не выдержал, выбежал на улицу и сам стал вертеть ручку шарманки, показывая шарманщику, в каком темпе нужно играть.
На следующий день тот же шарманщик снова появился перед окном композитора. Но теперь на его инструменте красовался приклеенный большой кусок картона, иа котором было написано: "Ученик великого Масканьи. Просьба не скупиться"...

3. Хор младенцев.

Однажды клакеры пришли к Масканьи и потребовали от композитора внушительную сумму за ближайшие десять премьерных спектаклей его оперы. Масканьи платить отказался. Тогда клакеры пригрозили устроить ему сюрприз. На премьерном спектакле на галерку неизвестным образом пробралась группа женщин с грудными младенцами на руках. И в самых лучших местах оперы нанятые клакерами мамаши начинали щипать своих младенцев, которые ревели на весь зал, заглушая не только арии и дуэты, но даже оперные хоровые сцены.

4. Прославленный неудачник.

Знаменитый Масканьи как-то раз признался со смехом:
- А ведь, между прочим, я самый настоящий неудачник. Пожалуй, еще никого не выгоняли из трех консерваторий "за абсолютную неспособность к музыке"...

5. Премьера... оптом.

Премьера оперы Масканьи "Маски" состоялась в один и тот же день и час сразу в семи итальянских городах: Риме, Неаполе, Генуе, Турине, Милане, Венеции, Вероне. Произошло это благодаря недоразумению: Масканьи обещал первую постановку своей новой оперы Венеции, а его издатель Сонцоньо, которому композитор продал права на оперу "Маски", - Риму. Выяснив это, ни тот ни другой отказать театрам уже не могли и решили - чем больше, тем лучше... Узнав об этом, еще пять театров обратились к композитору с просьбой.
- 3а одну премьеру денег в семь раз больше. Ну кто от этого может отказаться? - весело объяснял композитор своим друзьям эту комическую ситуацию.

6. Мой гонорар больше!...

Однажды Масканьи пригласили принять участие в большом музыкальном фестивале, посвященном памяти Верди. Узнав, что кроме него пригласили еще и Тосканини, Масканьи, завидовавший его дирижерской славе, принял приглашение с условием, что он получит гонорар более высокий, чем Тосканини. - Пусть будет больше хотя бы на одну лиру, - настаивал Масканьи.
Фестивальный комитет согласился. Получая гонорар, Масканьи с удивлением обнаружил, что ему причитается... одна лира.
- Маэстро, дело в том, что Тосканини дирижировал бесплатно....

7. Носки не подведут!

Будучи большим оригиналом и человеком крайне суеверным, отправляясь на выступление, Масканьи надевал разные носки: на правой ноге - голубой, а на левой - красный. Когда журналисты спрашивали, что это должно обозначать, Масканьи отвечал решительно:
- Это обмундирование моего успеха.

8. Мне так нравится ваша музыка!..

Когда Масканьи выступал в Лондоне, он был приглашен в Виндзор, и королева попросила его сыграть отрывок из "Сельской чести".
- В опере есть одна мелодия, которая мне особенно нравится, - заметила королева Виктория.
Масканьи сыграл интермеццо, но королева сказала, что это не тот отрывок, который ей нравится. Масканьи сыграл увертюру, но и на этот раз не угадал. Тогда Масканьи стал играть большой дуэт из оперы, однако и это было не то, что желала услышать королева.
- Впрочем, я помогу вам припомнить мой любимый отрывок из оперы, - сказала королева, - и, сев к инструменту, начала наигрывать пролог из знаменитой оперы Леонкавалло "Паяцы".

отсюда



Теги: Начало 20 века, 1900-ые, Италия, композитор, классика, веризм, статья, плейлист


Вернуться наверх
 Профиль  
 
СообщениеДобавлено: 26 янв 2015, 18:27 
Не в сети
Аватар пользователя

Зарегистрирован:
07 янв 2014, 17:08
Сообщений: 960
Рихард Штраус (1864-1949)

Изображение Изображение

Рихард Штраус (нем. Richard Strauss, 11 июня 1864, Мюнхен, Германия — 8 сентября 1949, Гармиш-Партенкирхен, Германия) — немецкий композитор эпохи позднего романтизма, яркий представитель немецкого экспрессионизма, особенно прославился благодаря своим симфоническим поэмам и операм. Был также выдающимся дирижёром.

Штраус - один из крупнейших немецких композиторов, рубежа XIX-XX вв. Наряду с Г. Малером он был также одним из лучших дирижеров своего времени. Автор симфонической поэмы "Макбет" (1888) и музыки к трем песням Офелии. Симфонические поэмы "Дон Жуан" (1889), "Тиль Уленшпигель" (1895), "Дон Кихот" (1897), "Жизнь героя" (1898) и др. отличаются красочностью оркестровки, применением звукоизобразительных эффектов. Оперы "Саломея" (1905) и "Электра" (1908) отразили тяготение Штрауса к экспрессионизму, опера "Кавалер розы" (1910) - к неоклассицизму. Как дирижер пропагандировал современную музыку, работал со многими оркестрами мира.

Биография
Рихард Штраус родился 11 июня 1864 года в Мюнхене. В юности получил от своего отца широкое, хотя и консервативное музыкальное образование. Свою первую музыкальную пьесу написал в возрасте 6 лет. С тех пор и до своей смерти, последовавшей почти 80 лет спустя, почти непрерывно сочинял музыку.

Будучи ребенком, имел возможность посещать оркестровые репетиции Мюнхенского придворного оркестра, там же от ассистента дирижера получил частные уроки по теории музыки и оркестровке.

В 1874 году Штраус впервые услышал оперы Вагнера. Влияние музыки Вагнера на стиль Штрауса могло стать определяющим, но поначалу его отец запрещал ему изучать Вагнера: лишь в возрасте 16 лет Штраус смог получить партитуру «Тристана и Изольды». В действительности, в доме Штраусов музыка Рихарда Вагнера считалась музыкой низкого сорта. В дальнейшем в своей жизни Рихард Штраус писал и говорил о том, что он глубоко сожалеет об этом.

В 1882 году он поступил в Мюнхенский университет, где он изучал философию и историю, но год спустя он покинул его, чтобы отправиться в Берлин. Там он непродолжительное время учился, а затем получил пост ассистента дирижера при Гансе фон Бюлове, заменив его в Мюнхене, когда тот вышел в отставку 1885.

10 сентября 1894 года Рихард Штраус женился на певице Паулине Марии де Ана. Она была известна своим властным и вспыльчивым характером, эксцентричностью и прямотой, но брак был счастливым.
Благодаря увлечению Штрауса симфоническими поэмами появилась первая из них, показавшая зрелое мастерство композитора, симфоническая поэма «Дон Жуан». Во время премьеры в 1889 году, половина публики аплодировала в то время как другая половина шикала. Штраус знал, что он обрел свой собственный музыкальный голос.

В конце XIX века Штраус обращается к опере. Его первые опыты в этом жанре «Гунтрам» в 1894 году и «Погасшие огни» в 1901 году провалились. В 1905 году он создает «Саломею» (по пьесе Оскара Уайльда), которая была встречена столь же пылко и неоднозначно, как в свое время «Дон Жуан». До 1940 года Штраус продолжает сочинять оперы с завидной регулярностью. Из-под его пера появляются «Ариадна на Наксосе» (1912), «Женщина без тени» (1918), «Интермеццо» (1923), «Молчаливая женщина» (1934) и другие.

В 1948 году Штраус написал свое последнее сочинение, «Четыре последние песни» для сопрано и оркестра. Хотя песни Штраус писал в течение всей своей жизни, эти являются наиболее известными.

Рихард Штраус умер 8 сентября 1949 года в Гармиш-Партенкирхене в Германии в возрасте 85 лет.

отсюда



Теги: 19 век, 1900-ые, Германия, композитор, классика, поздний романтизм (неоромантизм), экспрессионизм, статья, плейлист


Вернуться наверх
 Профиль  
 
СообщениеДобавлено: 28 янв 2015, 15:34 
Не в сети
Аватар пользователя

Зарегистрирован:
07 янв 2014, 17:08
Сообщений: 960
Ферруччо Бузони (1866-1924)

Изображение Изображение

Данте Микеланджело Бенвенуто Ферруччо Бузони (итал. Dante Michelangelo Benvenuto Ferruccio Busoni; 1 апреля 1866, Эмполи — 27 июля 1924, Берлин) — итальянский композитор, пианист, дирижёр и музыкальный педагог.

Бузони - один из крупнейших пианистов рубежа XIX-XX веков, мастер импровизационного искусства. Его игра отличалась глубиной мысли, самобытностью и оригинальностью трактовки, ослепительной техникой, богатством и разнообразием тембровых красок.

Биография
Сын итальянца и немецкой еврейки Ханны Вайс. Начал заниматься игрой на фортепьяно в раннем возрасте под руководством матери. С восьми лет давал сольные концерты в европейских музыкальных столицах. Рано проявил и композиторские способности, вначале сочиняя самостоятельно, а впоследствии занимаясь теорией музыки и композицией под руководством В. Майера; к 16 годам создал более 150 сочинений. Продолжая самостоятельно заниматься игрой на фортепьяно, Бузони завершил свое композиторское образование в середине 1880-х гг. в Вене и Лейпциге, где познакомился с И. Брамсом, Э. Григом, П. Чайковским и Г. Малером, оказавшими большое влияние на его творчество. В 1890 г. Бузони получил первый приз по композиции на Первом международном конкурсе имени Антона Рубинштейна в Петербурге.

С 1888 г. преподавал игру на фортепьяно в Музыкальном институте Гельсингфорса, в 1890–91 гг. был профессором кафедры фортепьяно в Московской консерватории (среди его учеников была Елена Гнесина, см. Михаил Гнесин), в 1891–92 гг. — профессор кафедры фортепьяно в Новоанглийской консерватории Бостона.

В 1894–1914 гг. и в 1920–24 гг. Бузони жил в Берлине, занимался преподаванием и композицией, много концертировал как пианист и выступал как дирижер. В 1902–1909 гг. в Берлине регулярно проходили «Бузониевские оркестровые вечера». После начала Первой мировой войны Бузони переехал в Швейцарию, откуда в 1920 г. вернулся в Германию, был профессором класса композиции Берлинской академии искусств, вел классы высшего пианистического мастерства в Веймаре (1901–1902), Вене (1907–1908), Базеле (1910–13), Болонье (1913–14). Бузони был одним из самых известных педагогов своего времени. Среди его учеников — пианисты Г. Беклемишев, А. Брайловский (1896–1976), Э. Петри, Л. Сирота, Ю. Турчиньский и др., композиторы К. Вейль, Д. Митропулос, Н. Набоков и др.

Творчество Бузони синтезировало итальянский блеск и виртуозность и немецкую романтическую страстность. Будучи новатором в области гармонии и формы, Бузони часто опережал свою эпоху, развивая современные течения в музыке. Многие сочинения Бузони, не принятые или недооцененные при его жизни, впоследствии привлекли внимание музыкального мира. Среди огромного композиторского наследия Бузони наиболее значительны оперы «Выбор невесты» (по Э. Гофману, 1908–10), «Арлекин, или Окно» (1916), «Турандот» (по К. Т. А. Гоцци, 1917), «Доктор Фауст» (по старым немецким легендам, 1916–24), фортепьянный концерт с финалом для хора (1904), «Контрапунктическая фантазия» на тему Баха (1910–22), сюиты и пьесы для оркестра, сонаты для скрипки и фортепьяно.

Бузони — один из крупнейших в истории музыки пианистов, оказавший большое влияние на развитие пианистического искусства. Он сочетал мастерство импровизации с глубоким пониманием авторского замысла, его трактовки отличались самобытностью и оригинальностью. Многие, однако, считали его интерпретации излишне субъективными, что вызывало ожесточенные споры и, в частности, в 1912 г. и 1913 г. во время гастролей Бузони в России, совпавших с гастролями И. Гофмана (1876–1975), привело к «войне» между «бузонистами» и «гофманистами». Репертуар Бузони состоял в основном из сочинений Баха, Моцарта, Бетховена, Шопена и Листа. Одной из вершин творчества Бузони-пианиста стал «Листовский цикл» — шесть концертов из сочинений Листа, данных в Берлине в 1911 г.

Важной стороной музыкальной деятельности Бузони были его переложения различных произведений для фортепьяно, среди которых особую известность приобрели переложения органных и скрипичных сочинений Баха. Консервативные критики возражали против «обработок» классики, Бузони полемизировал с ними в книгах и статьях, отстаивая принципы «молодой классичности», которые положили начало эпохе неоклассицизма в музыке 20 в.

Умер Ферруччо Бузони в Берлине 27 июля 1924 года.

С 1949 г. в Больцано (Италия) ежегодно проводится Международный конкурс пианистов имени Бузони.

отсюда



Теги: 19 век, 1900-ые, Италия, композитор, классика, экспрессионизм, статья, плейлист


Вернуться наверх
 Профиль  
 
СообщениеДобавлено: 28 янв 2015, 17:22 
Не в сети
Аватар пользователя

Зарегистрирован:
07 янв 2014, 17:08
Сообщений: 960
Франц (Ференц) Легар (1870–1948)

Изображение Изображение

Франц (Ференц) Лега́р (нем. , венг. Lehár Ferenc; 30 апреля 1870, Комарно, Словакия — 24 октября 1948, Бад-Ишль, Австрия) — венгерский и австрийский композитор и дирижёр.

Легар - Наряду с Иоганном Штраусом и Имре Кальманом — крупнейший композитор венской оперетты. «Он не имеет ни прямых предшественников, ни преемников». Либреттист Пауль Кнеплер писал: «Существуют три вида музыкальной драмы: опера, оперетта и Легар».

Биография
Легар родился в австро-венгерском городе Комаром (сейчас это Комарно, Словакия), в семье военного капельмейстера. Среди предков Легара были немцы, венгры, словаки и итальянцы.

Уже в пять лет Легар знал ноты и блестяще импровизировал на фортепиано.

Закончил Пражскую консерваторию по классу скрипки (1899). Антонин Дворжак отметил богатые творческие способности Легара и рекомендовал ему заняться композицией.

Несколько лет Легар работал помощником дирижёра в отцовском оркестре, расквартированном тогда в Вене. В 1896 году уходит в отставку из армии и становится театральным композитором.

Первая оперетта Легара — «Кукушка» (Kukuschka), на сюжет из русской жизни, появилась в 1895 году. Её приняли в одном из лейпцигских театров; публика отнеслась к постановке доброжелательно, хотя сенсации оперетта не произвела. Впоследствии Легар предложил новую редакцию этой оперетты под названием «Татьяна» (1905), но большого успеха не добился и на этот раз.

В эти годы Легар написал также несколько вальсов и маршей, один из которых, Gold und Silber, становится очень популярным (1899).

1902: Легар становится дирижёром в знаменитом венском театре «Ан дер Вин». В ноябре того же года театр представляет его первую комическую оперу (оперетту) «Венские женщины» (Wiener Frauen). Оперетта с успехом шла в Вене, Берлине и Лейпциге.

1903: вступает в гражданский брак с Софией Мет (Sophie Meth).

Памятник Легару в ВенеВ дальнейшем Легар написал множество оперетт, вальсов, сонат, маршей и различных симфонических произведений. Но мировую славу ему принесла представленная 30 декабря 1905 года в «Ан дер Вин» оперетта «Веселая вдова» (Die lustige Witwe).

Легар вспоминал несколько лет спустя:

С «Веселой вдовой» я нашел свой стиль, к которому стремился в предыдущих произведениях… Направление, которое взяла современная оперетта, зависит от направления времени, публики, от всех изменившихся общественных отношений. Я думаю, что шутливая оперетта не представляет интереса для сегодняшней публики… Автором музыкальных комедий я не мог бы быть никогда. Моя цель — облагородить оперетту. Зритель должен переживать, а не смотреть и слушать откровенные глупости…

Всего Легар написал почти 20 оперетт, насыщенных яркой, нешаблонной музыкой. Отличительной чертой легаровской музыки является искренний, проникновенный лиризм, виртуозное мелодическое богатство оркестровки. Либреттист Пауль Кнеплер писал: «Существуют три вида музыкальной драмы: опера, оперетта и Легар». К сожалению, не все либретто легаровских оперетт достойны его музыки, хотя Легар немало экспериментировал в этом отношении, стремясь отойти от фарса в сторону реальной драмы и искренних чувств.

Рита Георг и Рихард Таубер в оперетте «Царевич»С 1922 года Легар сотрудничал с ведущим тенором театра Рихардом Таубером, специально для которого писал лирические арии (так называемые Tauberlied). Среди этих арий — знаменитая мелодия «Dein ist mein ganzes Herz» из оперетты «Страна улыбок», которую охотно исполняют по сей день лучшие теноры мира.

Наибольший успех после «Весёлой вдовы» имели оперетты «Граф Люксембург» (1909), «Ева» (1911), «Страна улыбок» (1929) и «Джудитта» (1934).

1923: оформляет брак с Софией.

30 апреля 1930 года вся Европа отмечала 60-летие Легара.

Музей «Вилла Легара» в Бад ИшлеПосле «Джудитты» (1934) Легар отошёл от композиции и занялся издательским делом, основав музыкальное издательство «Glocken-Verlag».

После фашистской оккупации Австрии 68-летний Легар остался в Вене, хотя его оперетты совершенно не соответствовали нацистским стандартам — в них участвовали евреи («Лудильщик»), цыгане («Цыганская любовь», «Фраскита») и русские («Кукушка», «Царевич»). Ему стоило невероятных трудов спасти от репрессий свою жену-еврейку Софию. Благодаря огромной популярности его музыки Легару удалось защитить жену, но его друзья и либреттисты Фриц Грюнбаум и Фриц Лёнер погибли в концлагерях, а многие из близких друзей, включая Таубера, были вынуждены эмигрировать [2]. Сам Легар не пострадал, некоторые нацистские лидеры высоко ценили его музыку, а брат Геринга Альберт лично ему покровительствовал; он даже получил ряд новых наград и почестей к 70-летию (1940).

75-летие (30 апреля 1945 года) Легар встретил в обществе американских солдат, просивших у него автографы.

По окончании войны Легар уехал к Тауберу в Швейцарию, где прожил 2 года. Однако семь лет нацистского кошмара не прошли бесследно для Софии; в 1947 году она умерла. Легар вернулся в свой дом в Бад Ишле, где вскоре умер, пережив жену всего на год. Могила его находится там же. Свой дом в Бад Ишле он завещал городу; там сейчас музей Франца Легара.

В честь Легара названы улица в Комарно и театр в Бад Ишле. В парке у венской ратуши поставлен памятник Легару. В Вене есть и его музей-квартира (Вена 19, Хакхофергассе 18).

Оперетты Легара стали мировой классикой и неоднократно экранизировались в разных странах. Арии из его оперетт занимают достойное место в репертуаре лучших певцов и певиц мира: Николая Гедды, Элизабет Шварцкопф, Монтсеррат Кабалье, Лучано Паваротти, Пласидо Доминго и многих других.

отсюда



Теги: 19 век, 1900-ые, Австро-Венгрия, композитор, классика, экспрессионизм, статья, плейлист


Вернуться наверх
 Профиль  
 
СообщениеДобавлено: 28 янв 2015, 18:49 
Не в сети
Аватар пользователя

Зарегистрирован:
07 янв 2014, 17:08
Сообщений: 960
Александр Николаевич Скрябин (1871/72—1915)

Изображение Изображение

Алекса́ндр Никола́евич Скря́бин (25 декабря 1871 (6 января 1872), Москва — 14 (27) апреля 1915, Москва) — русский композитор и пианист.

Скрябин - вошел в русскую музыку в конце 1890-х гг. и сразу заявил о себе как исключительная, ярко одаренная личность. Смелый новатор, «гениальный искатель новых путей», по словам Н. Мясковского, «при помощи совершенно нового, небывалого языка он открывает пред нами такие необычайные... эмоциональные перспективы, такие высоты духовного просветления, что вырастает в наших глазах до явления всемирной значительности». Новаторство Скрябина проявило себя и в области мелодики, гармонии, фактуры, оркестровки и в специфической трактовке цикла, и в оригинальности замыслов и идей, смыкавшихся в значительной мере с романтической эстетикой и поэтикой русского символизма. Несмотря на короткий по времени творческий путь, композитором создано множество произведений в жанрах симфонической и фортепианной музыки. Им написаны 3 симфонии, «Поэма экстаза», поэма «Прометей» для оркестра, Концерт для фортепиано с оркестром; 10 сонат, поэмы, прелюдии, этюды и др. сочинения для фортепиано. Творчество Скрябина оказалось созвучным сложной и бурной эпохе рубежа двух столетий и начала нового, XX в. Напряженность и пламенность тонуса, титанические устремления к свободе духа, к идеалам добра и света, ко всеобщему братству людей пронизывают искусство этого музыканта-философа, сближают его с лучшими представителями русской культуры. Впервые в истории использовал светомузыку.

Биография
Скрябин родился в интеллигентной семье патриархального уклада. Рано умершую мать (кстати, талантливую пианистку) заменила тетя — Любовь Александровна Скрябина, ставшая и его первой учительницей музыки. Отец служил по дипломатической части. Любовь к музыке проявилась у маленького. Саши с раннего возраста. Однако по семейной традиции он в 10 лет был отдан в кадетский корпус. Из-за слабого здоровья Скрябин был освобожден от тягостной строевой службы, что давало возможность больше времени отдавать музыке. С лета 1882 г. начались регулярные занятия по фортепиано (с Г. Конюсом, известным теоретиком, композитором, пианистом; позднее — с профессором консерватории Н. Зверевым) и композиции (с С. Танеевым). В январе 1888 г. юный Скрябин поступил в Московскую консерваторию в класс В. Сафонова (фортепиано) и С. Танеева (контрапункт). Пройдя курс контрапункта у Танеева, Скрябин перешел в класс свободного сочинения к А. Аренскому, однако их отношения не сложились. Скрябин блестяще окончил консерваторию как пианист.

За десятилетие (1882-92) композитор сочинил немало музыкальных пьес, больше всего для фортепиано. Среди них вальсы и мазурка, прелюдии и этюды, ноктюрны и сонаты, в которых уже звучит своя, «скрябинская нота» (хотя ощущается порою воздействие Ф. Шопена, которого так любил юный Скрябин и, по воспоминаниям современников, прекрасно исполнял). Все выступления Скрябина-пианисту — на ученическом ли вечере или в дружеском кругу, а позднее — на крупнейших эстрадах мира — проходили с неизменным успехом, он умел властно захватить внимание слушателей с первых же звуков рояля. По окончании консерватории начался новый период в жизни и творчестве Скрябина (1892-1902). Он вступает на самостоятельный путь композитора-пианиста. Его время заполнено концертными поездками на родине и за рубежом, сочинением музыки; начинают публиковаться его произведения издательством М. Беляева (богатого лесопромышленника и мецената), оценившего гениальность молодого композитора; расширяются связи с другими музыкантами, например с «Беляевским кружком» в Петербурге, куда входили Н. Римский-Корсаков, А. Глазунов, А. Лядов и др.; растет признание как в России, так и за границей. Остаются позади испытания, связанные с болезнью «переигранной» правой руки. Скрябин вправе сказать: «Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его». В зарубежной прессе его называли «исключительной личностью, превосходным композитором и пианистом, крупной индивидуальностью и философом; он — весь порыв и священное пламя». В эти годы сочинены 12 этюдов и 47 прелюдий; 2 пьесы для левой руки, 3 сонаты; Концерт для фортепиано с оркестром (1897), оркестровая поэма «Мечты», 2 монументальные симфонии с ясно выраженной философско-этической концепцией и др.

Годы творческого расцвета (1903-08) совпали с высоким общественным подъемом в России в преддверии и осуществлении первой русской революции. Большую часть этих лет Скрябин прожил в Швейцарии, но живо интересовался революционными событиями на родине и сочувствовал революционерам. Все больший интерес проявляет он к философии — вновь обращается к идеям известного философа С. Трубецкого, знакомится в Швейцарии с Г. Плехановым (1906), изучает труды К. Маркса, Ф. Энгельса, В. И. Ленина, Плеханова. Хотя мировоззрения Скрябина и Плеханова стояли на разных полюсах, последний высоко оценил личность композитора. Покидая Россию на несколько лет, Скрябин стремился освободить больше времени для творчества, отвлечься от московской обстановки (в 1898-1903 гг. он помимо всего прочего преподавал в Московской консерватории).

Душевные переживания этих лет были связаны и с изменениями в личной жизни (уход от жены В. Исакович — прекрасной пианистки и пропагандиста его музыки — и сближение с Т. Шлецер, сыгравшей далеко не однозначную роль в жизни Скрябина). Живя в основном в Швейцарии, Скрябин неоднократно выезжал с концертами в Париж, Амстердам, Брюссель, Льеж, в Америку. Выступления проходили с грандиозным успехом.

Накаленность общественной атмосферы в России не могла не повлиять на чуткого художника. Подлинными творческими вершинами стали Третья симфония («Божественная поэма», 1904), «Поэма экстаза» (1907), Четвертая и Пятая сонаты; сочинены также этюды, 5 поэм для фортепиано (среди них «Трагическая» и «Сатаническая») и др. Многие из этих сочинений близки «Божественной поэме» по образному строю. 3 части симфонии («Борьба», «Наслаждения», «Божественная игра») спаяны воедино благодаря ведущей теме самоутверждения из вступления. В соответствии с программой симфония повествует о «развитии человеческого духа», который через сомнения и борьбу, преодоление «радостей чувственного мира» и «пантеизма» приходит к «некоей свободной деятельности — божественной игре». Непрерывное следование частей, применение принципов лейтмотивности и монотематизма, импровизационно-текучее изложение как бы стирают грани симфонического цикла, приближая его к грандиозной одночастной поэме. Заметно усложняется ладогармонический язык введением терпких и острозвучащих гармоний.

Значительно увеличивается состав оркестра за счет усиления групп духовых и ударных инструментов. Наряду с этим выделяются отдельные солирующие инструменты, связанные с тем или иным музыкальным образом. Опираясь в основном на традиции позднеромантического симфонизма (Ф. Лист, Р. Вагнер), а также П. Чайковского, Скрябин создал вместе с тем произведение, утвердившее его в русской и мировой симфонической культуре как композитора-новатора.

«Поэма экстаза» — сочинение, небывало смелое по замыслу. Оно имеет литературную программу, выраженную в стихах и сходную по идее с замыслом Третьей симфонии. Как гимн всепобеждающей воле человека звучат заключительные слова текста:

И огласилась вселенная
Радостным криком
Я есмь!

Обилие в пределах одночастной поэмы тем-символов — лаконичных выразительных мотивов, многообразное их развитие (важное место принадлежит здесь полифоническим приемам), наконец, красочная оркестровка с ослепительно яркими и праздничными кульминациями передают то состояние духа, которое Скрябин и называет экстазом. Важную выразительную роль играет богатый и колоритный гармонический язык, где уже преобладают усложненные и остронеустойчивые созвучия.

С возвращением Скрябина на родину в январе 1909 г. начинается завершающий период его жизни и творчества. Главное внимание композитор сосредоточил на одной цели — создании грандиозного сочинения, призванного изменить мир, преобразить человечество. Так появляется синтетическое произведение — поэма «Прометей» с участием оркестра громадного состава, хора, солирующей партии фортепиано, органа, а также световых эффектов (в партитуре выписана партия света). В Петербурге «Прометей» был впервые исполнен 9 марта 1911 г. под управлением С. Кусевицкого с участием в качестве пианиста самого Скрябина. В основу «Прометея» (или «Поэмы огня», как назвал его автор) положен древнегреческий миф о титане Прометее. Тема борьбы и победы человека над силами зла и тьмы, отступающими перед сиянием огня, вдохновила Скрябина. Он полностью обновляет здесь свой гармонический язык, отступая от традиционной тональной системы. В напряженном симфоническом развитии участвуют много тем. «Прометей — это активная энергия вселенной, творческий принцип, это огонь, свет, жизнь, борьба, усилие, мысль», — так говорил о своей «Поэме огня» Скрябин. Одновременно с обдумыванием и сочинением «Прометея» создаются для фортепиано Шестая-Десятая сонаты, поэма «К пламени» и др. В последние годы жизни композитор работал над «Предварительным действом», он записал текст и сочинил музыку, но не зафиксировал ее. Напряженная во все годы композиторская работа, постоянные концертные выступления и связанные с ними разъезды (нередко с целью материального обеспечения семьи) постепенно подрывали и без того некрепкое здоровье.

Скрябин скончался скоропостижно, от общего заражения крови. Весть о его ранней кончине в расцвете творческих сил поразила всех. В последний путь его провожала вся артистическая Москва, присутствовало много учащейся молодежи. «Александр Николаевич Скрябин», — писал Плеханов, — «был сыном своего времени.

...Творчество Скрябина было его временем, выраженным в звуках. Но когда временное, преходящее находит свое выражение в творчестве большого художника, оно приобретает постоянное значение и делается непреходящим».

отсюда



Теги: 19 век, 1900-ые, Россия, композитор, классика, экспрессионизм, статья, плейлист


Вернуться наверх
 Профиль  
 
СообщениеДобавлено: 31 янв 2015, 10:29 
Не в сети
Аватар пользователя

Зарегистрирован:
07 янв 2014, 17:08
Сообщений: 960
Арнольд Шёнберг (1874-1951)

Изображение Изображение

Арнольд Франц Вальтер Шёнберг (нем. Arnold Franz Walter Schoenberg, изначально Schönberg; 13 сентября 1874 года — 13 июля 1951 года) — австрийский и американский композитор, педагог, музыковед, дирижёр, публицист. Крупнейший представитель музыкального экспрессионизма, автор таких техник, как додекафония (12-тоновая) и серийная техника.

Шёнберг - вошел в историю музыки XX в. как создатель додекафонной системы композиции. Но значение и масштаб деятельности австрийского мастера не исчерпываются этим фактом. Шёнберг был разносторонне одаренной личностью. Он был блестящим педагогом, воспитавшим целую плеяду современных музыкантов, среди которых такие известные мастера, как А. Веберн и А. Берг (вместе со своим учителем они образовали так называемую нововенскую школу). Он был интересным художником-живописцем, другом О. Кокошки; его картины неоднократно появлялись на выставках и печатались в репродукциях в мюнхенском журнале «Голубой всадник» рядом с работами П. Сезанна, А. Матисса, В. Ван Гога, B. Кандинского, П. Пикассо. Шёнберг был литератором, поэтом и прозаиком, автором текстов многих своих сочинений. Но прежде всего он был композитором, оставившим значительное наследие, композитором, прошедшим очень трудный, но честный и бескомпромиссный путь.

Биография
Арнольд Шёнберг, сын купца, родился в Вене 13 сентября 1874 года. В возрасте восьми лет он потерял отца и рос в тяжелых материальных условиях. Одновременно с началом посещения реального училища двенадцатилетний Шенберг стал учиться играть на скрипке и пытался сочинять маленькие скрипичные дуэты, а потом трио и квартеты для камерных музыкальных собраний в товарищеском кругу. Покинув училище через некоторое время, Шёнберг один, без посторонней помощи и советов, принялся совершенствовать свое музыкальное дарование. Он твердо решил стать композитором. Большим подспорьем для него явилось знакомство с Александром Цемлинским. Сам композитор и дирижер, Цемлинский всегда был другом музыкальной передовой молодежи. В продолжение нескольких месяцев он регулярно занимался с Шёнбергом. Занятия вскоре перешли в тесную дружбу. Учитель и ученик были не одиноки: Цемлинский ввел Шёнберга в круг юных музыкантов. Это была эпоха страстного увлечения Вагнером и особенно его «Тристаном и Изольдой».

В сезон 1898–1899 годов в Вене одним из местных камерных ансамблей был исполнен юношеский квартет Шёнберга, явившийся как бы итогом его серьезных занятий. Квартет имел успех, но зато в том же 1898 году исполненные первые песни (Lieder) Шёнберга вызвали большое недоумение и даже скандал. Сейчас это кажется странным, потому что песни звучат теперь как изысканно и утонченно сотканные лирические настроения, не заключая в себе ничего дерзкого. Осенью 1899 года Шёнберг сочинил прекрасный по своей фактуре и музыкально выразительный струнный секстет «Ночь просветления», проявив себя здесь уже зрелым мастером формы. Это произведение пользуется заслуженной известностью в силу искренности музыки, изысканной сочности гармонической ткани и образно-поэтической манеры выражения, в чем еще сказывался романтик.

Вопрос о заработке стоял в то время на первом плане и часто служил помехой творчеству. Шёнберг дирижировал хорами и мелкими оркестрами, пытался, но неудачно, сочинять легкую музыку. Из нужды Шёнберг брал работу по оркестровке чужой театральной музыки, причем его соавторство не раскрывалось, занимался переложениями — словом, рад был всякой работе.

После женитьбы на сестре Цемлинского, с декабря 1901 года Шёнберг жил в Берлине. По 1903 год он являлся дирижером и преподавателем консерватории Штерна в Берлине. Там в течение 1902 года композитор сочинил симфоническую поэму «Пеллеас и Мелисанда», которая волнует своей выразительностью, пластичностью и образностью, своим чудесным колоритом и сочетанием томной нежности с мужественной сдержанностью.

Летом 1903 года Шёнберг вернулся в Вену. Мало-помалу его песни стали получать признание. Был исполнен секстет. Знакомство с Густавом Малером также имело большое значение для Шёнберга. С зимы 1903 года начинает расти известность Шёнберга как педагога. Вокруг него группируется чуждающаяся консерваторской рутины молодежь: среди первых его учеников были Антон Веберн, Эрвин Штейн и Альбан Берг. Творческая работа шла, однако, своей чередой. Летом 1904 года Шёнберг принялся за сочинение струнного Квартета и летом 1905 года окончил его.

Весной и летом 1906 года он сочинил свое переходное произведение — Камерную симфонию, в которой едва ли не впервые в современной музыке был резко выдвинут принцип экономии инструментальных средств выражения, и оркестр был сведен к 14 солирующим инструментам. Струнный Квартет был в первый раз исполнен в Вене квартетом Розе 5 февраля 1907 года. В том же году Шёнберг принялся за сочинение Второго струнного квартета и окончил его летом 1908 года.

В 1909 году были написаны фортепианные пьесы и «Пять пьес для оркестра». «Пять пьес для оркестра» — инструментальная фантасмагория. Им присуще множество новых тембровых сочетаний, изумительные колористические находки, неисчерпаемость изобретения, остроумнейшие комбинации ритмов и орнаментов, сжатость мотивов и вместе с тем характерность их в смысле выявления индивидуальных особенностей языка каждого инструмента. Пять пьес — пять «чередований» быстрых и сдержанных движений. Бег ломких и капризных линий первой пьесы сменяется ясно очерченными, нежно выразительными мотивами, их поглощает своеобразно мерцающая звучность третьей пьесы, дикий романтический порыв сметает ее завораживающее очарование.

Осенью 1909 года в течение трех недель Шёнберг сочинил монодраму «Ожидание». Параллельно в эти же годы создавались песни, и в числе их исключительно интересный цикл мелодий на слова Стефана Георге. Это был исключительно плодотворный и напряженный период в творчестве Шёнберга. Каждое его новое произведение, вызывая ожесточенные споры, было новым смелым завоеванием и вместе с тем новым претворением строго классических принципов музыкальной композиции, ибо Шёнберг никогда не был безрассудным новатором из любви к новаторству. Он шел вперед, подчиняясь внутреннему влечению, но отдавая себе отчет в каждой технической детали.

С 1911 по 1915 год Шёнберг снова жил в Берлине, совершая концертные турне в качестве дирижера. Так, в 1912 году Шёнберг приехал в Петербург и в одном из концертов дирижировал своей симфонической поэмой «Пеллеас и Мелисанда». В передовых музыкальных кругах его горячо приветствовали, но скорее «вкушали», как пряность, детали его сочинений, чем охватывали в целом его творчество как глубокое и сильное явление. Впрочем, конечно, трудно было тогда почувствовать, что Шёнберг — больше чем «странный модернист» и что в его музыке старое давало новые свежие ростки, до неузнаваемости изменяясь. Музыка его казалась парадоксальной, бесформенной и не имеющей корней.

В 1911 году Шенберг закончил инструментовку «Песен Гурре» и свою книгу о гармонии, посвятив ее памяти Густава Малера.

Поэтический текст «Песен Гурре» принадлежит датскому поэту Иенсу Петеру Якобсену. В основу песен положено датское сказание о том, как король Вальдемар IV Аттердат тайно любил прекрасную девушку — маленькую Тове, и как королева Гедвига из ревности повелела ее убить. Гурре — замок возле одного из озер северной Исландии. В Гурре умер Аттердат, и, по народному преданию, он каждую ночь охотится в окрестностях этого замка.

Шёнберг начал сочинять «Песни Гурре» в марте 1900 года в Вене. О ходе работы Шёнберга над циклом лучше всего повествует его собственное письмо, помещенное Альбаном Бергом в «Путеводителе», содержащем тематический анализ песен.

«В марте 1900 года, — пишет Шёнберг, — я сочинил 1 и 2 часть и многое из 3 части. После этого наступил длительный перерыв, заполненный инструментовкой опереток! В марте 1901 года все сочинение было закончено! В августе 1901 года я начал инструментовать (опять с перерывами, среди других работ, как это обычно происходило с моим сочинительством). В Берлине в 1902 году — посреди года — инструментовка была продолжена. Затем опять последовал большой перерыв из-за оркестровки опереток. В 1903 году работа возобновилась, и инструментовка была доведена до 118 страницы партитуры, после чего я отложил ее в сторону, и работа совсем приостановилась! В июле 1910 года (в Вене) последовало возобновление работы. Инструментовка дошла вплоть до заключительного хора; окончание его последовало в Целендорфе (около Берлина) в 1911 году… При окончательной отделке партитуры я переработал лишь немногие места… Эти исправления стоили мне большего труда, чем в свое время все сочинение».

Последними словами своего письма Шёнберг, по-видимому, хотел сказать, что благодаря непрерывной творческой эволюции ему трудно было закончить десять лет ранее начатое сочинение в том виде, как оно было задумано, но что он все-таки предпочел добиться этого и добился за очень немногими исключениями. Судьба сыграла с Шёнбергом злую шутку в том отношении, что, когда создавались «Песни Гурре», он был гоним и непризнан, голодал и должен был бросить работу. А когда в 1913 году в Вене состоялось первое исполнение цикла оркестром под управлением Франца Шрекера и принесло композитору первый большой успех, он сам уже далеко отошел от этого произведения и не мог уже получить от восприятия тех впечатлений и живых стимулов, какие, несомненно, получил бы, если бы мог закончить и услышать «Песни Гурре» значительно раньше.

Тем не менее успех «Песен Гурре» был вполне заслуженным, и сочинение это продолжает вызывать интерес к себе волнующей, глубоко искренней лирикой и напряженностью эмоционального тона. Волны музыки «Песен Гурре» охватывают и ритмически влекут слушателя с первых страниц вступления. Цикл всегда вызывает к себе симпатию благодаря своей эмоциональной насыщенности и мелодической щедрости, причем в характере музыки дает себя знать вагнеровский пафос. Каждая из отдельных песен, на которые распадается все произведение, является ярким эпизодом, но не случайным и не обрывочным, а тесно спаянным с остальными. Это достигается общностью тем-мелодий и их многообразными превращениями, в которых раскрывается с необычайной полнотой композиторское изображение Шёнберга.

Музыка к циклу стихотворений «Лунный Пьеро», написанная весной и летом 1912 года, явилась показателем совсем новой эры в творчестве композитора, как в отношении содержания, так и фактуры. В чудесном лирическом цикле «Лунный Пьеро» сочетались в парадоксальном содружестве расчетливый ум с романтическими стремлениями и зовами, и рассудок проницательно уступил свои права искупающей и манящей мечте, отдав ей свое мастерство и свой опыт.

В 1913 году Шёнберг завершил музыкальную драму «Счастливая рука». Увы, начинается Первая мировая война. С 1915 по 1917 год Шёнберг служит в армии. Только в 1919 году он вновь возвращается к творческой работе и пытается придать музыке более современное звучание: разрушает консонансные и диссонансные связи и придает функциям аккордов равное значение. Тем самым он приходит к понятию атональности вместо известной до того времени тонально-гармонической организации музыкального материала, что само по себе явилось великим открытием. В новой технике создаются его Второй квартет для струнных инструментов и песенный цикл на 15 стихотворений из «Книги висячих садов».

Вторым открытием Шёнберга был так называемый тематический стиль — рациональный способ работы с мелодией, в которой все 12 тонов хроматической гаммы имеют одинаковое значение (тона звучат в сериях — серийная техника — и обычно не повторяются раньше, чем звукоряд полностью мелодически исчерпает себя). Эта система получила название додекафонии. Шенберг использовал их в уже упомянутых произведениях в монодраме «Ожидание» и в произведении для голоса с инструментальным ансамблем «Лунный Пьеро».

Эти пьесы создали ему авторитет мастера, и он был приглашен в Берлин в качестве профессора композиции в Прусскую Академию музыки. Но очень скоро его объявили представителем «большевистского искусства» за еврейское происхождение, так что — несмотря на фанатичную волю и истощающую его работоспособность — он вынужденно покидает Германию и обосновывается в Лос-Анджелесе в США. С 1936 по 1944 год Арнольд Шенберг был профессором Калифорнийского университета.

Его целью стало воплотить свои художественные принципы в крупной форме; так были созданы «Духовой квинтет», «Сюита для фортепиано, малого кларнета, бас-кларнета, скрипки и виолончели», «Вариации для оркестра», Третий и Четвертый струнные квартеты, скрипичный и фортепианный концерты и опера «Моисей и Аарон», написанная на сюжет из Ветхого завета. В опере противопоставлены человечность и варварство, добро и зло. Это самое большое из додекафонических сочинений автора.

В последние годы жизни Шёнберг несколько отошел от принципов, которые сам создал; возможно, на него повлияло стремление высказаться по поводу важных событий в общественной жизни и стремление выразить гуманистические идеалы наиболее убедительно. В духе этой тенденции написаны произведения, ставшие вершиной его творчества, такие как Вторая камерная симфония, «Уцелевший из Варшавы» и памфлет против тирании «Ода Наполеону».

Умер Шенберг 13 июля 1951 года в Лос-Анджелесе.

отсюда

Интересные факты
Арнольд Шёнберг страдал трискаидекафобией. Именно поэтому последняя его опера носит название «Моисей и Арон» («Moses und Aron») вместо корректного «Моисей и Аарон» («Moses und Aаron»): число букв во втором названии равно тринадцати. Он родился 13-го числа, что он всю жизнь считал дурным предзнаменованием. 13 же числа он умер. Однажды он наотрез отказался взять в аренду дом под номером 13. Композитор боялся того дня, когда ему исполнится 76, потому что в сумме эти цифры составляют пресловутое число 13. Многим известна легенда, согласно которой Шёнберг ужасно боялся своего 76-летия пятницы 13-го, которая приходилась на 13 июля 1951 г. По слухам, тогда он весь день пролежал в постели, готовясь к предполагаемой смерти. Жена пыталась уговорить мужа встать и «прекратить эти глупости», и каково же было её потрясение, когда тот лишь вымолвил слово «гармония» и умер. Арнольд Шёнберг покинул этот мир в 11:47 вечера, за 13 минут до полуночи.

В 1898 г. Шёнберг перешёл в протестантство. В 1933 прошел в синагоге в Париже обряд возвращения в иудаизм.

отсюда

Картины Арнольда Шёнберга
1.Изображение 2.Изображение 3.Изображение 4.Изображение 5.Изображение
6.Изображение 7.Изображение 8.Изображение 9.Изображение 10.Изображение

1. Автопортрет, 1910
2. Дизайн игральных карт для сплита, 1909
3. Природа, 1910
4. Рука, октябрь 1910
5. Ненависть, октябрь 1910
6. Marietta Werndorff, октябрь 1910
7. Сад, 1906 – 1907
8. Натюрморт
9. Карикатура. Победитель, 1919
10. Похороны Густава Малера, май 1911

Больше работ смотреть тут



Теги: 19 век, 1900-ые, Австрия, Америка, композитор, классика, экспрессионизм, новая венская школа, статья, плейлист, картины


Вернуться наверх
 Профиль  
 
СообщениеДобавлено: 31 янв 2015, 11:30 
Не в сети
Аватар пользователя

Зарегистрирован:
07 янв 2014, 17:08
Сообщений: 960
Артур Рубинштейн (1887-1982)

Изображение Изображение

Арту́р Рубинште́йн (польск. Artur Rubinstein, в других языках обычно имя пишется как Arthur; 28 января 1887, Лодзь — 20 декабря 1982, Женева) — выдающийся польский и американский пианист и музыкально-общественный деятель еврейского происхождения.

Рубинште́йн - получил известность благодаря своими интерпретациям произведений романтического фортепианного репертуара. Автор фортепианных пьес.

Биография
А.Рубинштейн родился 28 января 1887 года в Лодзи (Польша, которая в те годы входила в состав Российской империи). Он был седьмым ребенком в семье. Его отец владел текстильной фабрикой и пользовался уважением горожан.

Тяга к музыке проявилась в Артуре в очень раннем возрасте. Он очень рано начал играть на фортепьяно. И отец, внимательно следивший за развитием своих детей, попросил известного скрипача и педагога Й.Иохама прослушать четырехлетнего сына. Иохам согласился и дал высокую оценку дарованию мальчика.

Рассказывают, что при первой встрече с юным Артуром Рубинштейном будущая знаменитость, скрипач Бронислав Губерман сказал ему: «У тебя есть талант, малыш. Если будешь упорно работать, далеко пойдешь…».
Губерману тогда было девять лет, Рубинштейну — четыре года.

В шесть лет Артур уже учился в Варшаве у известного польского педагога того времени А.Ружицкого. А когда ему исполнилось восемь, по рекомендации того же Й.Иохама, отец отправил его на обучение в Берлинскую высшую музыкальную школу, где мальчик начал серьезно изучать теоретические дисциплины, в том числе — законы композиции, и осваивать технику фортепианной игры.

Рассказывая о своей жизни в Берлине, Рубинштейн вспоминал очень трудный, но, вместе с тем — знаменательный момент. К тому времени отец его разорился и не мог оказывать сыну материальную поддержку. Артур оказался в чрезвычайно стесненных обстоятельствах. Единственная надежда — концертные выступления. Но на заключение контракта тоже нужны были деньги. Как разорвать замкнутый круг?.. Юноша пишет письмо другу. С просьбой ссудить ему некую сумму. Дни томительного ожидания не дали желаемого результата — друг не откликнулся. Рубинштейн впал в отчаяние. Ощущение безысходности было столь сильным, что в нем проснулось желание свести счеты с жизнью. Собрав последние силы, он сел за рояль…

Проиграв несколько часов, он внезапно почувствовал, что состояние полной апатии уступило место простой и естественной человеческой потребности. Ему захотелось есть. Артур вышел на улицу и — обомлел: окружающий его мир стал совершенно иным — привлекательным и невыразимо прекрасным. Надо было погрузиться в самые глубины безбрежного отчаяния, чтобы понять, сколь бесценен полученный им дар — жизнь. По-настоящему осознать это ему помогла музыка, бросив спасательный круг в пучину безысходности. Позднее он выведет простую формулу человеческого существования: «Люби жизнь такой, какая она есть. Принимай ее без всяких условий». А на склоне лет скажет: «Если ты любишь жизнь, она ответит тебе взаимностью»…

Дебют Артура Рубинштейна — сольное выступление с Берлинским симфоническим оркестром — состоялся в Берлине в 1898 году, когда ему было одиннадцать лет. Потом он много концертировал. Но критики и любители музыки принимали его весьма сдержанно, как бы присматриваясь к нему, изучая особенности его исполнительской манеры. Впрочем, он и сам в тот период был лишь в начале большого и сложного пути. С юных лет он относился к исполнительству с необычайной трепетностью, достаточно рано осознав, что для того, чтобы подняться на высокий уровень мастерства, даже самого блестящего таланта — недостаточно. Тут требуется упорная работа — не только «тренировочная», которая определяется количеством часов, проведенных за инструментом, но — и умственная, исследовательская.

Постепенно, в течение всей жизни, Рубинштейн формировал собственные исполнительские концепции. Эти концепции строились, с одной стороны — на скрупулезном исследовании творчества композиторов, произведения которых он выбирал для исполнения. С другой — на изучении возможностей музыкального инструмента. Его открытием и достижением стало перенесение в фортепианную музыку позаимствованного у певцов «особого дыхания». «Ваша манера пения... послужила мне большим уроком… — писал он позднее, обращаясь к известной певице Эмме Дестин, которую оценивал, как «лучшее драматическое сопрано начала 20-го века». — Попытаюсь перенести Ваше совершенное владение дыханием в мою собственную фразировку».

Отсюда — извлекаемая им из клавиш неповторимая «певучесть» звуков, которая воспринимается слушателем как живое дыхание музыки.

В начале своей карьеры Рубинштейн играл произведения Моцарта, Бетховена, Мендельсона, Шумана, Листа… Очень любил и много исполнял музыку Брамса. Его неизменно привлекало творчество композиторов-романтиков.
Шопена он включил в свой репертуар только в 1930-е годы, когда стал уже вполне зрелым артистом. С тех пор на протяжении всей его последующей сценической деятельности Шопен пользовался у Рубинштейна особой любовью. В отличие от других исполнителей, он подчеркивал в музыке этого композитора светлое, восторженно-романтическое, возвышенное начало.

В исполнении сочинений Шопена он достигает, по мнению многих любителей музыки, вершин фортепианного искусства.

Анализируя творчество Артура Рубинштейна, музыкальные критики неизменно отмечают элегантность и необычность его интерпретаций, удивительную пластичность, гибкость и естественность исполняемой им музыки. Звучание фортепиано под его пальцами, — пишут они, — было наполненным, глубоким, ясным и рельефным.

Однако в начале 20-го века его главные открытия в исполнительстве еще не сделаны. В 1905 году Артур Рубинштейн впервые едет на гастроли в Париж. Представляя его парижской публике, известный композитор Камиль Сен-Санс (его Второй концерт в исполнении Артура Рубинштейна был истинным украшением его концертных программ) назвал Рубинштейна «великим артистом» и предрек ему блестящее будущее. Однако добиться головокружительного успеха у избалованных парижан пианисту тогда не удалось.

Не приносит ему настоящего удовлетворения и первая гастрольная поездка в Америку в 1906-м. Он дал там сорок концертов, в том числе — и в знаменитом «Карнеги-холл» в Нью-Йорке. Музыкальные критики и публика приняли его весьма благосклонно. Но — не более того.

В 1910-1912 годах Рубинштейн ездил с концертами по городам России. Потом, в 1930-е годы, он дважды побывал в стране Советов. Третий его визит в СССР состоялся в 1964 году, когда ему было 77 лет. Российские любители музыки ждали его концертов с известной долей скепсиса. Что может предложить им пианист столь преклонного возраста? Но опасения оказались напрасными. Рубинштейн и в 77 сохранил не только «техничность», но и поистине «юношескую» свежесть восприятия, безграничную, самоотверженную влюбленность в музыку.

Он и в самом деле очень долго держал прекрасную профессиональную форму. Кто-то подсчитал, что в 75 лет Артур Рубинштейн дал около ста многочасовых концертов за год.

В 1968 году советские войска вторглись в Чехословакию. Этот факт произвел на Артура Рубинштейна весьма неприятное впечатление. Больше он в Россию не приезжал…

Первая мировая война застала Рубинштейна в Лондоне. Его призывают на военную службу. Он работает переводчиком при армейском штабе. Естественно, от концертной деятельности временно пришлось отказаться. К музыке он возвращается лишь в начале 20-х годов. Именно в эти годы и приходит к нему истинное признание.

Он снова разъезжает по Европе. Его концерты сопровождаются бурными овациями. Газеты публикуют восторженные рецензии. Единственная, пожалуй, европейская страна, где он не хочет концертировать — это нацистская Германия. Демонстративно отказавшись от приглашения в 30-е годы, он никогда не поедет в Германию. Трагические события Катастрофы коснулись и его лично — во время Второй мировой войны в концлагере «Аушвиц» (Освенцим) погибли три его сестры и два брата.

Только в 1937 году пианист решается на вторую гастрольную поездку в США. На этот раз в Америке его ожидает триумф.

Вторая мировая война настигает Рубинштейна во Франции, куда он приехал с женой и детьми, чтобы пожить там некоторое время. В 1941-м он уезжает в Америку и поселяется в Калифорнии, где собралось много беженцев из Европы. В доме Рубинштейнов бывают интересные люди — композиторы Рахманинов и Стравинский, писатель Томас Манн… Человеческое обаяние А.Рубинштейна притягивало к нему людей. И в Америке и, разъезжая по миру, он легко приобретал друзей. Дружеские и творческие узы связывали его со многими знаменитостями века — с писателями Бернардом Шоу и Гербертом Уэллсом, с всемирно известным физиком Альбертом Эйнштейном, с Чарли Чаплином, с композиторами Клодом Дебюсси и Морисом Равелем, с художниками Марком Шагалом и Пабло Пикассо (который нарисовал двадцать четыре портрета великого пианиста).

Когда война закончилась, Артур Рубинштейн создает Фонд Шопена, цель которого — помогать музыкантам и артистам, пострадавшим в военные годы.

На постоянное жительство в Европу (в Париж) Артур Рубинштейн возвращается в 1954 году.

С именем Артура Рубинштейна связано много открытий в искусстве 20-го века. В частности, это — испанская музыка. Он играет лучшие произведения испанских композиторов. И, прежде всего — Альбениса и Де Фальи. В исполнении этой музыки ему удается с поразительной достоверностью воспроизвести атмосферу самой Испании — с ее горячим, знойным воздухом и терпкими, упоительными ароматами.

В гастрольной поездке по Испании он дал сто двадцать концертов. И на каждом — его подолгу не отпускали со сцены. А потом восторженная толпа, продолжая выкрикивать «Браво!», провожала его до гостиницы. В Испании он подружился с небольшой группой тореадоров и некоторое время они ездили за ним в разные страны, сопровождая его в гастрольных турне.

В 1970 г. на экраны вышла кинолента «Любовь к жизни». Главный ее герой — замечательный 83-летний пианист Артур Рубинштейн, который за участие в этом фильме получил премию «Оскар».

В 1973-м он опубликовал написанную им книгу «Дни моей юности».

Артур Рубинштейн играл с лучшими, самыми известными симфоническими оркестрами мира. За 75 лет своей концертной деятельности он объездил всю планету. Бывал в Латинской Америке, в Китае и Японии и даже в Африке.

Однако особо нежные чувства Рубинштейн питал к Израилю. Он много раз приезжал сюда с концертами. И постоянно поддерживал страну крупными пожертвованиями. На его деньги, в частности, было создано отделение музыковедения в Еврейском Университете в Иерусалиме. Его имя (с личного согласия пианиста) носит Международный конкурс молодых пианистов, который и в наши дни проходит в Израиле раз в три года. Он сам присутствовал на первых двух конкурсах имени Артура Рубинштейна.

В 1977 году он удостоился звания «Почетный сын Иерусалима».

«Это был человек с другой планеты, из другого мира… — писала об отце Ева Рубинштейн, дочь великого пианиста. — На нас, детей, и вообще на людей, на окружение он смотрел как будто бы из прошлого столетия, когда не было ни самолетов, ни автомобилей, а по разбитым повозками улицам его родной Лодзи тащились конные упряжки… Одним из первых он начал путешествовать самолетом, но убедить его в том, что мир теперь не такой, как во времена его юности, было невозможно.

Самим собой он становился, когда пальцы его ложились на клавиши. Лицо мгновенно преображалось, на нем появлялся какой-то идущий изнутри свет...».

Артур Рубинштейн ушел из жизни 20 декабря 1982 года, в возрасте 95-ти лет. Случилось это в Женеве (Швейцария). Похоронен он, как и просил, составляя завещание, в Израиле, в Иудейских горах под Иерусалимом.

отсюда



Теги: 19 век, 1900-ые, Польша, пианист, классика, романтизм, статья, плейлист


Вернуться наверх
 Профиль  
 
СообщениеДобавлено: 31 янв 2015, 15:02 
Не в сети
Аватар пользователя

Зарегистрирован:
07 янв 2014, 17:08
Сообщений: 960
Джузеппе Верди (1813 -1901)

Изображение Изображение

Джузе́ппе Фортуни́но Франче́ско Ве́рди (итал. Giuseppe Fortunino Francesco Verdi, 10 октября 1813 года, Ронколе близ города Буссето, Французская империя — 27 января 1901 года, Милан, Италия)[1] — итальянский композитор.

Верди - классик итальянской музыкальной культуры, творчество которого является одним из крупнейших достижений мирового оперного искусства и кульминацией развития итальянской оперы XIX века.
Его музыке присуща неугасающая с течением времени искра высокого гражданского пафоса, безошибочная точность в воплощении сложнейших процессов, происходящих в глубинах человеческой души, благородство, красота и неисчерпаемый мелодизм. Перу композитора принадлежат 26 опер, духовные и инструментальные произведения, романсы. Самую значительную часть творческого наследия Верди составляют оперы, многие из которых («Риголетто», «Травиата», «Аида», «Отелло», «Макбет») звучат со сцен оперных театров всего мира уже более ста лет. Произведения других жанров, за исключением вдохновенного Реквиема, практически не известны, рукописи большинства из них утеряны.

Биография
Джузеппе Верди - сын содержателя деревенской харчевни. Первые уроки теории музыки получал у местного церковного органиста. Пятнадцати лет Верди стал дирижером небольшого оркестра. На деньги, собранные друзьями отца, Верди уехал в Милан для поступления в консерваторию, в которую его не приняли "из-за недостатка музыкальных способностей". Дарование Верди, однако, оценил миланский композиор и дирижер В. Лавинья и стал бесплатно давать ему уроки композиции. В 1835-1838 годах Верди жил в Буссето, где работал дирижером муниципального оркестра.

В 1837 году Верди написал первую оперу "Оберто, граф Бонифачо", которая была поставлена через два года с большим успехом в Милане. По заказу миланского театра "Ла Скала" Верди сочинил комическую оперу "Мнимый Станислав, или один день царствования" ("Король на час", пост. 1840) и оперу "Набукко" ("Навуходоносор", пост. 1842). В этом последнем произведении композитор отразил чувства и стремления итальянского народа, начавшего в те годы борьбу за национальную независимость и освобождение от австрийского ига. В страданиях плененного иудейского народа зрители видели аналогию с порабощенной Италией. Хор пленных иудеев из этой оперы вызывал бурные политические манифестации. С призывами к свержению чужеземной тирании перекликалось у итальянских зрителей и содержание следующей оперы Верди "Ломбардцы в первом крестором походе" (пост. 1843, Милан; 2-я редакция с балетом - "Иерусалим", пост. 1847, Париж). Русский музыкальный критик Г. А. Ларош писал: "Верди - голос современной Италии, Италии, пробудившейся к сознанию, Италии, взволнованной политическими бурями, смелой и пылкой до неистовства". И действительно, почти все оперы Верди первого периода его творчества пронизаны героическим пафосом, патриотическими настроениями, связаны с темой борьбы против иноземных угнетателей. Таковы "Эрнани" по Гюго (пост. 1844, Венеция), "Двое Фоскари" по Байрону (пост. 1844, Рим), "Орлеанская дева" по Шиллеру (пост. 1845, Милан), "Альзира" по Вольтеру (пост. 1845, Неаполь), "Атилла" по Ц. Вернеру (пост. 1846, Венеция), "Макбет" по Шекспиру (пост. 1847, Флоренция; 2-я редакция 1865, Париж), "Разбойники" по Ф. Шиллеру (пост. 1847, Лондон), "Корсар" по Дж. Байрону (пост. 1848, Триест). Наибольший успех из этих сочинений имели оперы "Эрнани", "Аттила" и "Макбет"; многие сценические ситуации живо напоминали зрителям политическое положение в их стране.

Горячо откликнулся Верди на французскую революцию 1848 года, свидетелем которой он был в Париже. По возвращении в Италию он сочинил героическую оперу "Битва при Леньяно" (пост. 1849, Рим; 2-я редакция "Осада Гарлема", пост. 1861, Милан) на тему о борьбе ломбардцев за объединение страны. По поручению известного итальянского революционера Мадзини Верди создал революционный гимн "Звучит труба".

Новый период творчества Верди - 1850-е годы - характеризуется созданием опер, отражающих чувства и переживания простых людей; центральной темой оперной драматургии композитора стала борьба свободолюбивого человека против гнета феодального или буржуазного общества. Таковы первые же оперы этого периода - "Луиза Миллер" на сюжет драмы Ф. Шиллера "Коварство и любовь" (пост. 1849, Неаполь) и "Стиффелио" (пост. 1850, Триест; 2-я редакция "Гарольд" пост. 1857, Римини). С еще большей силой развернул композитор тему социального неравенства в таких бессмертных операх, как "Риголетто" по пьесе В. Гюго "Король забавляется" (пост. 1851, Венеция), "Трубадур" (пост. 1853, Рим) и "Травиата" ("Виолетта") по пьесе А. Дюма-сына "Дама с камелиями" (пост. 1853, Венеция). В этих произведениях, отличающихся подлинно народным характером музыки, проявился исключительный дар композитора как мелодиста и драматурга, отражающего в своих операх неприкрашенную правду жизни. "Верди частенько говорил - даже в зените славы, - что он по своей натуре всегда был, есть и останется простым итальянским крестьянином. В этом - разгадка ошеломляющей популярности Верди. Его творчество органически связано с народным; его музыка своими корнями уходит в крестьянский песенный мелос Италии; в свою очередь его кантилены распевают рыбаки, гондольеры, ремесленники, пастухи... Отсюда - интонационная простота, глубокая жизненность и правдивость столь рельефно запоминающихся мелодий Верди." (И. Солертинский).

Следующие произведения Джузеппе Верди близки к жанру так называемой "большой оперы": историко-романтические оперы "Сицилийская вечерня" ("Джованна ди Гусман"; пост. 1855, Париж), "Бал-маскарад" (пост. 1859, Рим), "Сила судьбы", созданная по заказу дирекции Мариинского театра (в связи с постановкой этой оперы в 1862 году Верди дважды посетил Петербург), "Дон-Карлос" по Ф. Шиллеру (пост. 1867, Париж; 2-я редакция пост. 1881, Милан). В этих операх любимые и близкие Верди темы неравенства и борьбы с угнетателями воплощены в спектаклях, изобилующих эффектными, контрастными сценами.

Новый творчекий период Верди начинается с оперы "Аида", которая была заказана композитору египетским хедивом в связи с открытием Суэцкого канала. Известный египтолог А. Мариэтт-бей предложил увлекательный сюжет из жизни Древнего Египта, заинтересовавший Верди. Либретист А. Гисланцони в тесном контакте с композитором работал над либретто. Премьера оперы состоялась в 1871 году в Каире. Успех ее превзошел все ожидания.

После "Аиды" Джузеппе Верди в течение 14 лет не писал новых опер, пересматривая старые сочинения - "Симон Бокканегра" (пост. 1857, Венеция; 2-я редакция пост. 1881, Милан) и др. Все считали, что композитор ввиду преклонного возраста уже не способен создать что-нибудь новое. Но вскоре стало известно, что 72-летний Верди работает над оперой "Отелло" (пост. 1887, Милан; с балетом пост. 1894, Париж). А еще через несколько лет 80-летний композитор присутствовал на премьере своей новой оперы, также на сюжет Шекспира, - "Фальстаф" (пост 1893, Милан). (Для шекспировских опер Верди нашел замечательного либреттиста в лице известного композитора Бойто). В последних трех операх Верди стремился к расширению оперных форм, к полному слиянию музыки с драматическим действием, придал новое значение речитативу, усилил роль оркестра в раскрытии образов.

Из других произведений Верди выделяется Реквием, посвященный памяти поэта А. Манцони. В этом не похожем на католические мессы произведении, по качествам музыки не уступающем лучшим операм Верди, композитор полностью сохраняет свой стиль, говорит своим языком.

Творчество Джузеппе Верди отличается глубоко реалистическим характером. Его называли летописцем европейской музыкальной жизни 1840-90-х годов. Он внимательно следил за достижениями современных ему композиторов - Беллини, Доницетти, Мейербера, Вагнера, Гуно; но Верди не подражал им, а шел собственным путем. Верди великолепно чувствовал законы оперной драматургии, весьма разнообразно использовал человеческий голос. Мелодически богатая, яркая, доходчивая музыка Верди получила широчайшее распространение во всем мире; реализм и демократичность творчества, тесная связь с народным искусством своей родины, глубокая человечность и гуманизм - основные причины популярности Верди.


отсюда

Интересные факты
1. Молодо-зелено

Джузеппе Верди однажды сказал:
Когда мне было восемнадцать лет, я считал себя великим и говорил:
"Я".
Когда мне исполнилось двадцать пять лет, я стал говорить:
"Я и Моцарт".
Когда мне стукнуло сорок, я говорил:
"Моцарт и я".
Теперь же я говорю:
"Моцарт".

2. Ошибочка вышла...

Однажды к дирижеру Миланской консерватории явился девятнадцатилетний юноша и попросил проэкзаменовать его. На вступительном экзамене он играл на рояле свои сочинения. Через несколько дней молодой человек получил суровый ответ: "Оставьте мысль о консерватории. А если уж вы так хотите заниматься музыкой, поищите себе какого-нибудь частного учителя среди городских музыкантов..."
Таким образом бесталанный молодой человек был поставлен на место, и случилось это в 1832 году. А через несколько десятков лет Миланская консерватория со страстью добивалась чести носить имя некогда отвергнутого ею музыканта. Это имя - Джузеппе Верди.

3. Даешь аплодисменты!...

Как-то Верди сказал:
- Аплодисменты являются неотъемлемой частью некоторых видов музыки, их следует вписывать в партитуру.

4. Я говорю: "Моцарт"!

Как-то раз Верди, уже убеленный сединами и знаменитый на весь мир, беседовал с одним начинающим композитором. Композитору было восемнадцать лет. Он был совершенно убежден в собственной гениальности и все время говорил только о себе и своей музыке.
Верди долго и внимательно слушал молодого гения, а потом с улыбкой сказал:
- Мой дорогой юный друг! Когда мне было восемнадцать лет, я тоже считал себя великим музыкантом и говорил: "Я". Когда мне было двадцать пять лет, я говорил: "Я и Моцарт". Когда мне было сорок лет, я уже говорил: "Моцарт и я". А сейчас я говорю просто: "Моцарт".

5. Не скажу!

Один начинающий музыкант долго добивался, чтобы Верди послушал его игру и высказал свое мнение. Наконец композитор согласился. В назначенный час молодой человек пришел к Верди. Это был рослый юноша, судя по всему наделенный огромной физической силой. Но играл он из рук вон скверно...
Закончив играть, гость попросил Верди высказать свое мнение.
- Только скажите мне всю правду! - решительно сказал молодой человек, в волнении сжимая свои пудовые кулаки.
- Не могу, - со вздохом отвечал Верди.
- Но почему же?
- Боюсь...

6. Ни дня без строчки

Верди всегда носил при себе нотную тетрадь, в которую ежедневно записывал свои музыкальные впечатления от прожитого дня. В этих своеобразных дневниках великого композитора можно было найти удивительные вещи: из любых звуков, будь то выкрики мороженщика на жаркой улице или призывы лодочника прокатиться, возгласы строителей и прочего рабочего люда или детский плач, - из всего Верди извлекал музыкальную тему! Будучи сенатором, Верди однажды очень удивил своих друзей по сенату. На четырех листках нотной бумаги он весьма узнаваемо переложил в осложненной длинной фуге... речи темпераментных законодателей!

7. Добрый знак

Закончив работу над оперой "Трубадур", Джузеппе Верди самым любезнейшим образом пригласил одного довольно бесталанного музыкального критика, своего большого недоброжелателя, чтобы ознакомить его с некоторыми важнейшими фрагментами оперы. - Ну, и как вам моя новая опера? - спросил композитор, поднимаясь из-за рояля.
- Откровенно говоря, - решительно произнес критик, - все это кажется мне довольно плоским и невыразительным, господин Верди.
- Боже мой, вы даже не представляете, как я вам благодарен за ваш отзыв, как счастлив! - воскликнул обрадованный Верди, горячо пожимая своему хулителю руку.
- Я не понимаю вашего восторга, - пожал плечами критик. - Ведь опера мне не понравилась... - Теперь я совершенно уверен в успехе моего "Трубадура", -объяснил Верди. - Ведь если произведение не понравилось вам, то оно несомненно понравится публике!

8. Верните деньги, маэстро!

Новая опера Верди "Аида" была принята публикой с восхищением! Знаменитый композитор был буквально засыпан похвальными отзывами и восторженными письмами. Однако среди них было и такое: "Шумные толки о вашей опере "Аида" заставили меня отправиться 2-го числа сего месяца в Парму и побывать на представлении... В конце оперы я задал себе вопрос: удовлетворила ли меня опера? Ответ был отрицательный. Я сажусь в вагон и возвращаюсь домой в Реггио. Все окружающие только и говорят о достоинствах оперы. Мною опять овладело желание послушать оперу, и 4-го числа я опять в Парме. Впечатление мною вынесено следующее: в опере нет ничего выдающегося... После двух-трех исполнений ваша "Аида" окажется в пыли архива. Можете судить, многоуважаемый господин Верди, какое сожаление я испытываю о понапрасну истраченных мною лирах. Прибавьте к этому, что я человек семейный и такой расход не дает мне покоя. Поэтому я обращаюсь прямо к вам с просьбой возвратить мне означенные деньги..."
В конце письма был предъявлен двойной счет за железную дорогу туда и обратно, за театр и ужин. Итого шестнадцать лир. Прочитав письмо, Верди распорядился, чтобы его импресарио выплатил просителю деньги.
- Однако, с вычетом четырех лир за два ужина, - весело сказал он, - так как поужинать этот синьор мог бы у себя дома. И еще... Возьмите с него слово, что он более никогда не будет слушать моих опер... Во избежание новых расходов.

9. История одной коллекции

Однажды к Верди, проводившему лето на своей небольшой вилле на побережье в Монте-катини, пришел в гости один из друзей. Оглядевшись, он был несказанно удивлен тем, что хозяин хотя и не слишком большой, но все-таки двухэтажной виллы в десяток комнат постоянно ютится в одной комнатке, причем не самой удобной...
- Да, конечно, у меня есть еще комнаты, - пояснил Верди, - но там я храню очень нужные мне вещи.
И великий композитор повел гостя по дому, дабы показать ему эти вещи. Каково же было удивление любознательного гостя, когда он увидел великое множество шарманок, буквально заполонивших виллу Верди...
-Видите ли, - со вздохом разъяснил композитор таинственную ситуацию, - я приехал сюда в поисках тишины и покоя, имея в виду поработать над своей новой оперой. Но многочисленные владельцы этих только что виденных вами инструментов почему-то решили, что я прибыл сюда исключительно для того, чтобы послушать собственную музыку в довольно скверном исполнении их шарманок... С утра до ночи они услаждали мой слух ариями из "Травиаты", "Риголетто", "Трубадура". Причем имелось в виду, что я должен был еще и каждый раз платить им за это сомнительное удовольствие. В конце концов я пришел в отчаяние и попросту скупил у них все шарманки. Это удовольствие мне обошлось довольно дорого, но зато теперь я могу спокойно работать...

10. Невыполнимая задача

В Милане напротив знаменитого театра "Ла Скала" есть трактир, в котором издавна собираются артисты, музыканты, знатоки сцены.
Там под стеклом давно хранится бутылка шампанского, которая предназначена тому, кто сумеет последовательно и понятно пересказать своими словами содержание оперы Верди "Трубадур".
Бутылка эта хранится более ста лет, вино становится все крепче, а "счастливчика" все нет и нет.

11. Самое лучшее - самое доброе

Однажды Верди спросили, какое из своих творений он считает самым лучшим?
- Дом, который я построил в Милане для престарелых музыкантов...


• Родился в один год со своим главным конкурентом – Р. Вагнером. Между ними была постоянная борьба, хоти они не разу не встречались
• До конца жизни хранил свой первый музыкальный инструмент, полученный в детстве от родителей
• Был атеистом
• Сожительство в течении более десяти лет до свадьбы с Д. Стреппони было осуждаемо обществом
• Несколько раз бросал работу над «Риголетто» из-за недовольства цензуры
• Умер от инсульта

отсюда и отсюда



Теги: 19 век, 1900-ые, Италия, композитор, классика, опера, романтизм, статья, плейлист


Вернуться наверх
 Профиль  
 
СообщениеДобавлено: 07 авг 2015, 11:43 
Не в сети
Аватар пользователя

Зарегистрирован:
08 дек 2013, 17:49
Сообщений: 3270
Откуда: Самара

_________________
Есть я. И я есть.


Вернуться наверх
 Профиль  
 
СообщениеДобавлено: 30 дек 2015, 23:52 
Не в сети
Аватар пользователя

Зарегистрирован:
21 сен 2012, 10:12
Сообщений: 11542
Изображение
For Auld Lang Syne by Henry Harwood (Scottish 1803–1868)

Auld Lang Syne ( рус. Старое доброе время) — шотландская песня на стихи Роберта Бёрнса, написанная в 1788 году. Известна во многих странах, особенно англоязычных, и чаще всего поётся при встрече Нового года, сразу после полуночи.


Текст песни был отправлен редактору «Шотландского музея музыки» Робертом Бёрнсом с примечанием: «Эта песня, эта старинная баллада никогда не появлялась в печати и даже в рукописях, пока я не узнал её слова у одного старика». То, что многие строки не были сочинены Бёрнсом, также доказывает стихотворение «Old Long Syne» 1711 года, написанное Джеймсом Уотсоном, в котором первая строфа очень близка к версии шотландского поэта. Вероятнее всего, и Бёрнс, и Уотсон действительно использовали старинную народную балладу в качестве источника. Что касается мелодии — неизвестно, сохранилась ли она такой же, как вначале, предлагал поэт.

Традиция петь «Auld Lang Syne» в канун Нового года быстро распространилась не только по Шотландии, но и по всей Великобритании и затем проникла в другие страны. Гай Ломбардо часто исполнял песню во время новогодних эфиров, начиная с 1929 года, тем самым придавая ей ещё большую популярность. В 1939 году им была сделана первая запись «Auld Lang Syne».

Была переведена на русский Самуилом Маршаком под названием "Старая дружба".


Версия Роберта Бёрнса
Should auld acquaintance be forgot,
and never brought to mind?
We take a cup of kindness yet
For auld lang syne

Рефрен:
For auld lang syne, my dear,
for auld lang syne,
we’ll takе a cup o’ kindness yet,
for auld lang syne.

And surely ye’ll be your pint-stowp!
and surely I’ll be mine!
And we’ll takе a cup o’ kindness yet,
for auld lang syne.

Рефрен

We twa hae run about the braes,
and pu’d the gowans fine;
But we’ve wander’d mony a weary fit,
sin auld lang syne.

Рефрен

We twa have paidl’d i' the burn,
frae morning sun till dine;
But seas between us braid hae roar’d
sin auld lang syne.

Рефрен

And there’s a hand, my trusty fiere!
and gie's a hand o’ thine!
And we’ll tak a right gude-willy waught,
for auld lang syne.

Рефрен


Перевод Маршака
Забыть ли старую любовь
И не грустить о ней?
Забыть ли старую любовь
И дружбу прежних дней?

Припев
За дружбу старую —
До дна!
За счастье прежних дней!
С тобой мы выпьем, старина,
За счастье прежних дней.

Побольше кружки приготовь
И доверху налей.
Мы пьем за старую любовь,
За дружбу прежних дней.

Припев
За дружбу старую —
До дна!
За счастье юных дней!
По кружке старого вина —
За счастье юных дней.

С тобой топтали мы вдвоем
Траву родных полей,
Но не один крутой подъем
Мы взяли с юных дней.

Переплывали мы не раз
С тобой через ручей.
Но море разделило нас,
Товарищ юных дней…

И вот с тобой сошлись мы вновь.
Твоя рука — в моей.
Я пью за старую любовь,
За дружбу прежних дней!

За дружбу старую —
До дна!
За счастье прежних дней!
С тобой мы выпьем, старина,
За счастье прежних дней.


Переврд Ю. Князева
Знакомства прежние забыть,
Возможно ли когда?
Знакомства прежние забыть
И давние года?

Хор.
За наши прошлые мечты,
За память о былом,
Поднимем чашу доброты
За память о былом.

Поднимем чаши я и ты
И выпьем их до дна!
Поднимем чашу доброты
За наши времена.

За наши прошлые мечты, и т.д.

С тобой ромашки рвали мы,
Взойдя на косогор,
Без счета горы и холмы
Прошли мы с давних пор.
За наши прошлые мечты, и т.д.

В ручье плескались мы с тобой
С утра и дотемна,
Нас разлучил морской прибой
В былые времена.
За наши прошлые мечты, и т.д.

Мой верный друг, протянешь ты
Мне руку, как всегда!
Поднимем чашу доброты
За давние года.
За наши прошлые мечты, и т.д.


Вернуться наверх
 Профиль  
 
СообщениеДобавлено: 30 янв 2017, 19:39 
Не в сети
Аватар пользователя

Зарегистрирован:
21 сен 2012, 10:39
Сообщений: 2296
Сергей Васильевич Рахманинов (20 марта 1873, Семёново, Новгородская губерния — 28 марта 1943, Беверли-Хиллз, США)
Изображение
Русский композитор, пианист, дирижер, но не только...
Окончив консерваторию с большой золотой медалью, как пианист и композитор, он взялся за написание своей первой симфонии. Это заняло у него несколько лет и много эмоций и сил. Премьера закончилась сокрушительным провалом. Никто не понял в 1897 году, о чем была эта мрачная симфония, в конце которой, если прислушаться, можно услышать смерть царя. Не только поэты обладают пророческим даром, композиторы тоже. Но в тот момент это было преждевременно. Цезарь Кюи, к примеру, написал в своей рецензии, что «если бы в аду была консерватория, Рахманинов, несомненно, был бы в ней первым учеником»
Предлагаю послушать последнюю часть:
Рахманинов, Симфония №1

После этой премьеры у молодого композитора случился жестокий кризис. «Я был подобен человеку, которого хватил удар и у которого на долгое время отнялись и голова, и руки…», — так описывал Рахманинов своё состояние. Депрессия продолжалась 3 года. Спас его психотерапевт Николай Даль (правнук, кстати, Владимира Даля). И в благодарность за качественную психотерапию Рахманинов посвятил врачу концерт для фортепиано с оркестром, который сам стал психотерапевтическим и любимым во всем мире.
Вслушайтесь: в первой части концерта голос фортепиано заявляет о себе сначала с болью, потом все уверенней. А оркестр баюкает его, успокаивает, поддерживает. Если слушать с закрытыми глазами и эмоционально включиться, можно услышать... Впрочем, тут каждому свое. Даже любопытно, кто, что слышит. Вторая часть невероятно духовна, она как благовещение. А третья наполнена борьбой, самоутверждением и в конце любовью, прощением и полным взаимопониманием между солистом и оркестром.

Концерт для фортепиано с оркестром

Вот, захотелось поделиться... Концерт стоит того, чтобы его слушать неоднократно. Программирует на успех. )

_________________
Как бы медленно я не шла, и сколько бы ошибок я не совершила на своём пути, я все равно на целую вечность опережаю тех, кто даже не попробовал.


Вернуться наверх
 Профиль  
 
Показать сообщения за:  Сортировать по:  
Начать новую тему Ответить на тему На страницу Пред.  1, 2


Вы не можете начинать темы
Вы не можете отвечать на сообщения
Вы не можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете добавлять вложения

Найти:
Перейти:  

Яндекс.Метрика